Pieza que forma parte de la serie “Contar la muerte” Surge a partir de un monólogo ajeno que se convierte en reproche, casi sentencia y termina en desgracia. Representa las manos que contienen un corazón y dentro de él, la última imagen de la persona fallecida, en una bolsa negra, donde nadie nunca espera ver a un ser querido. Las manos representan el cuidado, la fuerza que sostiene y al mismo tiempo libera. En este ritual de liberación, se deja ir lo que hay en el corazón, recuerda el peso que tienen las palabras y la necesidad humana de soltar la carga emocional que la culpa trae consigo y permitir que se desvanezca fuera de sí.
Esta obra invita al espectador a reflexionar sobre el dolor silencioso que llevas dentro, sin ser visto ni escuchado, desafiando la noción de que el desamor debe ser ruidoso para ser real. Es un recordatorio conmovedor de que las heridas más profundas suelen ser las que pasan desapercibidas, incluso para quienes las sufren.
Mi obra es una composición simbólica con influencias de la contraluz y el claroscuro de los maestros barrocos para generar una luz abstracto-conceptual que dramatiza la escena, misma en la que describo la pérdida de identidad del sujeto a causa de la utilización de los emojis al comunicarnos por las redes sociales, el uso de iconos visuales que describen nuestro estado de ánimo, pero esa imagen al mismo tiempo que representa a la totalidad del mundo no representa a ningún ser singular se pierde la gestualidad del sujeto es decir su ser físico. La escena describe un ser metamorfoseado entre el humano y el emoji es un bebe representando la nueva generación que está jugando enterrando en la arena las máscaras de aquel sujeto que queda obsoleto, mismas que a la vez son autorretratos, todo esto se potencio más a partir del confinamiento del covid 19 por ello el niño lleva una máscara antigás, detrás hay gente dialogando todos sin rostro ya que ellos también son parte de esta evolución involuntaria.
Todos queremos ser felices, vivimos en un lugar llenos de cobardes, dejamos de amar cuando crecen, depende de nosotros hacer la diferencia. Buscamos la satisfacción en lo más "nuevo" en objetos de ultima generación, en los nuevos amores, en la familia incluso, desechamos a nuestros "viejos amores" por la adicción de algo "nuevo". esta obra fue hecha pensando en los amigos peludos que se abandonan, en nuestros padres y abuelos que cuando envejecen son considerados una carga, en las parejas que no nos atraen solo por querer probar algo "nuevo", cuando a un hijo se le deja de decir "te quiero" al crecer, olvidamos que son seres vivos y no objetos.
¿Alguna vez se han quedado sin trabajo? Hace algunos meses me quedé sin empleo. Trabajaba en un corporativo con un horario bastante abrumador, pero que para muchos parece algo normal, por lo que pasaba la mayor parte de mi día dentro de una oficina frente a una computadora. Primero me sentí un poco abrumado, triste y decepcionado, pero después se convirtio en un gran vacío, que para ser honesto, daba un poco de miedo. Era como un: ¿Y ahora que sigue?. Tenía tiempo de sobra, tiempo que antes añoraba tener para hacer más cosas, pero que no sabía como ocupar. Me sentía libre, de estrés, pendientes, responsabilidades y una infinidad de cosas que cargaba sin darme cuenta. Al paso de los días también note que realmente ocupamos mucha de nuestra vida en trabajar y que hemos normalizado todo esto, porque realmente muchos de nosotros si dependemos de un trabajo para poder sobrevivir. Lo que trato de plasmar en esta ilustración es ese sentimiento de libertad que se experimenta cuando dejas por un momento todas esas responsabilidades, pero al mismo tiempo, esa dependencia de tener que trabajar para poder sobrevivir, y no solo eso, también la indiferencia de muchos para este tipo de situaciones y como no solemos ser empáticos con los demás.
Obstinada Levedad del Ser, está creada desde aquello que no se permite ser libre auténticamente, esa lucha entre el deber ser y el ser natural, las aves como símbolo de libertad y las manos como herramientas obstinadas de tomar posesión y fuerza descontrolada, pero... a fin de cuentas lo que está destinado a ser, encontrará el modo perfecto de manifestarse.
"Los traductores de las mil y una noches" texto escrito por Jorge Luis Borges, plantea un problema acerca de la manera de interpretar una obra literaria, según procedimientos acorde a estilos de los diversos traductores, los pudores que dan la moralidad de ciertas épocas y el desechamiento arbitrario de "ambigüedades mejor explicadas en otros idiomas" en el primer capitulo del cuento, Borges hace la comparación de tres diferentes traductores y no es hasta Francis Burton que se hace la reflexión sobre la importancia de traducir desde la sinceridad como la mejor (pero no perfecta) forma de traducir. Es así como aquí hago un símil con el tema de la tragedia de Tlatelolco, mis codigos son simbólicos, una barda que ocupa mas de la mitad de espacio, pero que aun así queda en penumbra, sombra de la modernidad que da luz a un espacio no definido. Incrustadas corcholatas tienen sujetas a unas aturdidas mariposas que vuelan frenéticamente. Finalmente es una placa de calle la que media entre los dos mundos. Hoy en día nos queda el pasado, y lo mas presente es la reflexión sobre ese pasado, el como nos toca interpretarlo, abra quienes lo maquillen con fuentes contradictorias, quienes atiendan mas a una simplificación numérica, y los que den mas peso a procedimientos perversamente lógicos, yo prefiero la que como capullos de esas mismas mariposas sienten sin simplificaciones, abrazar la complejidad nos hace reconciliarnos con el otro.
En ocasiones, ni los monstruos más grandes son capaz de mover un barco, por más adheridos que estén a ellos. En ocasiones, los barcos deben luchar más allá de sus posibilidades para mantenerse a flote, por más daños que hayan hecho los monstruos. En ocasiones, un simple oleaje es capaz de dejar a su paso un montón de barcos hundidos y de tantos que hay, han creado un lugar seguro. En ocasiones, nosotros somos esos barcos hundidos y los monstruos viven en las profundidades de nuestra mente.
En el momento en que se crea el destello, no hay vuelta atrás, es la decisión que marca el fin de la obra. El lado más oscuro y detallado, es el único que presenta vida y oculta la mano que dará el fin de esta. Proporciones irreales, una flecha ineludible como la responsabilidad de ser quien decide cómo finalizar el lazo de toda una vida. Saber que de esa flecha llega la calma, destino al cual rechazas pero el otro implora, mientras te aferras a no soltarlo sin apartar la mirada. El destello es el paso más difícil, deseas terminar, deseas nunca hacerlo. Está obra, es toda una contradicción.
Esta obra es una representación de la intervención de los sentidos desde el Arte Cacuménico, que proviene de la palabra Cacúmen, denota la agudeza o perspicacia humana mediante la simplificación de las formas del entorno, llevadas a un triangulismo figurativo que juega con las dimensiones y la cromática, incitando a la introspección cognitiva, sensorial y del psique. Conjuntando el pensamiento, cuerpo y alma en una sola experiencia artística desde la geometría libre.
Un mundo sin espacio tiempo, un sueño, una fantasía, un espejismo, una fusión cultural entre lo prehispánico y lo moderno. Las criaturas oníricas de Pedro Linares López, nacidas a principios del siglo pasado y las culturas originarias de México, antes de serlo; juntas en una visión de convivencia, de simetría utópica entre el Alebrije (como una criatura más de la naturaleza) y el humano; colmada de referencias de Oaxaca y México. Alebrije: Cuerpo xoloitzcuintle, pico de águila real mexicana, plumas de águila real, alas de murciélago corynorhinus mexicanus. Flora endémica de México: Ahuehuete, cempasúchil, nopal, cactáceas, maguey. Dios mixteco de la lluvia: Dzahui o Dzavui o Savi. Paraje natural: Cascada de hierve el agua.
Hay veces que no se quiere nunca volver a despertar por los recuerdos melancólicos llenos de nostalgia, pero la vida no se detiene por que uno se sienta así, encontrar la voluntad de vivir de manera correcta, desgarrando el alma e incrementando la altura de nuestra caída a propósito para renacer más fuerte, la herida sanará, pero ya nunca volveremos a ser los mismos. Todo sufrimiento se extingue, nada dura para siempre, es parte del duelo.
Dibujar, colorear y pintar son actividades que disfrutamos sin preocupaciones cuando somos niños. Sin embargo, al crecer, lo que antes era un juego sin reglas se convierte en un reto lleno de expectativas, comparaciones y presión por ser perfectos. Esta pieza refleja el complicado camino que es hacer arte. El dibujo, el lugar que alguna vez fue un refugio, se transforma en una lucha entre la pasión y la perfección.
Alegoría de la vida y la muerte, un ciclo constante de transformación y renovación de la naturaleza. Si la vida es música, la muerte es su interprete y su canto narra nuestra historia, hasta que su desgastada guitarra hace sonar las últimas notas. No obstante, al marchitarse una vida, otra nueva florece.
El pulpo chicharra es una criatura muy vieja, y un trabajador eficiente. Distribuye las almas de los árboles que se han ido, y de forma infinita mantiene el equilibrio de flora, haciéndolos renacer. Últimamente ha habido un nuevo inquilino en la zona. Se llama Quimera del tiempo, y corta los árboles, mejor dicho, se los come. Su motivo es conseguir energía y seguir al pulpo, porque quiere estar cerca de él, ya que donde este está siempre hay comida. Lo que la quimera no sabe es que el pulpo debe reponer la madera que se ha comido afanosamente, plantando almas cada vez más rápido para que todo siga funcionando correctamente, y cada día es más cansado que el anterior. ¿La quimera del tiempo entenderá que va a provocar la muerte del pulpo chicharra por el exceso de trabajo? Esperemos que entienda que nunca podrá alcanzarlo si este deja de existir.
Si algo en la vida no perdona, es el tiempo. A medida que pasa el tiempo, comienza el divino proceso del envejecimiento y la sabiduría, nuestra piel y color de cabello son las señales más visibles de este proceso. Haciéndonos sentir de manera diferente el cómo vivimos, en esta obra se plasma, que después de tantas décadas de existencia lo que va quedando son los recuerdos y las experiencias vividas, pues el cuerpo va desapareciendo poco a poco.
Abuelito era un gran explorador cuando era joven, siempre nos cuenta sus aventuras durante la cena. Descubrió cosas maravillosas, como un gran tesoro que trajo de vuelta a casa, o aterradoras, como cuando un monstruo marino le sacó el ojo. Siempre le decimos que queremos ser como él, y le suplicamos que nos lleve de aventuras. Hoy, nos dijo que ya estábamos lo bastante grandes para acompañarlo. Mamá nos preparó muchos sándwiches, papá nos empacó ropa y tienda de campaña, y Abuelito nos llevó con él al bosque. ¡Es muy emocionante! Nos detuvimos a descansar un ratito, y en eso pasaron unas mariposas amarillas. Abuelito dice que esa especie es difícil de ver entre los árboles y que somos niños con mucha suerte por encontrarlas, ¡qué divertido es explorar con el abuelo!
Ecos habla sobre la sensación de aparentar algo contrario a lo que somos y deseamos, donde el transporte publico se convierte en una caja donde reverberan los pensamientos que nos recuerdan que no se vive con honestidad hacia otros y en especial para con uno mismo.
En esta obra se replantea la "masculinidad", ¿es acaso el hombre hosco y "fuerte" un ser incapaz de sentir? En México los roles de género siguen estando lejos de ser cuestionables, así que muchos hombres replican los viejos comportamientos predeterminados, a diferencia de este minotauro que, sereno, aprecia una flor, que lo atraviesa sin más, haciendo ver esta sensibilidad masculina como una herida abierta.
La base de nuestro México, una burbuja de plata y oro eclipsando a los olvidados por el tiempo, la gente que luchó por ellos y a los inocentes que quedaron atrapados entre sus balas. Con el papel de tortillas como su base y con sus orillas desgarradas, representando lo violencia desgarradora de esta página de la historia, la base de nuestra tierra queda en segundo plano por la espectacularidad que ofrece la burbuja de actores principales de la revolución mexicana.
Descendiendo del reino etéreo, el hada de mirada dual observa el caos de la guerra religiosa entre Israel y Palestina. Sus ojos reflejan la coexistencia del bien y del mal en un solo ser. Mientras el conflicto arde en el fondo, ella se mueve con majestuosidad entre el caos, simbolizando la eterna lucha entre la luz y la oscuridad.
Después de mucho lidiar con la depresión creo que la parte más difícil es darte cuenta que estás luchando contra ti mismo, en ese momento lo único que pensé fue ''¿Qué hago? Me ayudo o me saboteo''. Lo único certero es que ''Todo está en tus manos''
La idea de mi obra nació por un impulsó de representar y crear un mundo alterno con elementos de mi entidad, Aguascalientes México, inspirado en paisajes antiguos de mi región, donde se puede observar elementos históricos y naturales como los monumentos arquitectónicos mas importantes, "castillo Douglas" como también la entrada al jardín de San Marcos, al igual que abajo a la izquierda a un personaje muy importante llamado la Catrina. El uso de las sobras con los lápices de grafito Derwent crean un ambiente nostálgico, que crean una atmosfera que evoca misterio que envuelven a la región.
Pieza que surge de la idea “Contar la muerte” que, para mí, es un ritual necesario para comprender y procesar el concepto de la muerte con amabilidad, ver con naturalidad un cuerpo vacío, inerte y sin vida. Proceso en el que, no sólo quien muere, se transforma. Es la posibilidad para honrar y recrear un momento de acompañamiento en silencio y aceptar en ese instante, natural y complejo, la transición al estado desconocido. Es un momento de contemplación que sacude todo el espectro de las emociones humanas.
Abrazo de cera representa la eternidad de un adiós, la persona que amas nunca volverá ni sabrás más de ella, y dentro de todos los recuerdos que ocupan tu mente, esta ese abrazo efímero y la sensación de su piel deslizándose por tus dedos hasta desvanecerse.
Ambivalencia Introspectiva es una reflexión acerca de la capacidad del ser humano para conciliar sus opuestos, un adentramiento en como lidiamos con elementos opuestos de nuestra psique y nuestra existencia, verdad y falsedad, representado con las máscaras, juventud y senectud, evidente en los personajes, bondad y maldad, sugerido con los animales, son algunas de las dicotomías que articulan la imagen, ambivalencias que dialogan en un espacio onírico, que oscila entre lo fructífero de la naturaleza y lo estructurado de lo social, lo cual se observa en la vegetación y la arquitectura que enmarcan la imagen.
El patrón circular alrededor del ave, realizado con tintas doradas, además de adornar al ave como una corona dorada, es una representación plana de la doble hélice de ADN, el material genético común a todas las especies en la Tierra. El ADN circular existe desde las primeras bacterias procariotas, que evolucionaron en cloroplastos y mitocondrias presentes en muchos animales incluyendo el ser humano. Junto a este patrón circular también representé una fase de un eclipse solar como el que presenciamos en este año con algunas de las flores abiertas y cerradas. El ave que es el personaje central es un ejemplo de la evolución y de la migración de las especies. La obra está realizada en papel reciclado.
Esta obra está creada como crítica social a la violencia global que sacude al planeta entero. La necesidad del ser humano de sentir en carne propia los dolores o situaciones que atraviesan otros seres humanos es simplemente la razón por la que está obra nace. Se representa a una familia rodeando un misil que está firmado con la frase "finish them", que la traducción a español seria "acaben con ellos", una cruda realidad que atraviesan muchos pueblos del nuestro mundo.
Pasar más de 2 o 3 horas al día en el transporte público genera un desgaste físico y mental que provoca serios problemas en los mexicanos y mexicanas, quienes se ven forzados a trasladarse diariamente para sobrevivir. "El transporte público me cansa" es una obra que ilustra el viaje diario que compartimos con millones de mexicanos y mexicanas. A través de la desnudez, se plasma la vulnerabilidad y exposición del usuario al utilizar el transporte, como la inseguridad, ineficiencia, falta de mantenimiento, acoso, entre otros.
Este dibujo representa la importancia de la alegría en la niñez, basta echar un vistazo al rostro de Pablo, observar su cabello alborotado, su expresión en los ojos, fundida con su sonrisa... Después de una tarde de incesante juego en el parque, para poder ver un poquito de su felicidad.
Dios escucha las lágrimas que no lloras En esta obra trate de plasmar ese sentimiento que muchas de las veces no se puede decir o desahogar, y trate de interpretarlo con una mujer ya que es un ser que en si sufre mucho, y muchas de las ocasiones reprime sus sentimientos, pero siempre hay una luz o una imagen celestial donde poder encontrar consuelo.
"abesse" hace parte de la serie de los abrazos imposibles, evocando una sensación de distancia irremediable. En esta obra, realizada en carboncillo y pastel rojo y blanco, una mujer parece buscar un contacto ausente, pero hay una barrera invisible entre ella y el espectador. La escena refleja un momento donde la quietud y el anhelo se fusionan en un abrazo que nunca llega a concretarse.
La globalización nos ha permitido estar conectados, para bien y para mal. Muerte, guerra, enfermedades y crimen, son cosas con las que convivimos día con día y que a pesar de nuestra postura hacia estas situaciones, es una realidad que nadie esta a salvo, ni siquiera nuestros sueños, los cuales son invadidos hasta volverse pesadillas.
Cansado de fingir, aquel hombre decide recorrer el oscuro camino para llegar al sótano donde se acomoda la temible criatura que ha estado evitando por tanto tiempo. Todo lo que él ha reprimido emerge como un dragón dispuesto a quedarse con el control.
Una obra que refleja la cruda realidad de la explotación infantil en México, donde la pobreza y la escasez económica obligan a miles de niños a abandonar sus sueños y aspiraciones para trabajar en condiciones precarias y peligrosas. La pandemia del COVID-19 exacerbó esta problemática, sumiendo a más familias en la pobreza y la desesperación. A través de esta obra, se busca concienciar sobre la gravedad de esta situación y visibilizar la lucha diaria de los niños y familias que enfrentan esta difícil realidad. La obra invita a reflexionar sobre la responsabilidad que tenemos como sociedad para proteger y garantizar los derechos de los niños, y a buscar soluciones para erradicar esta problemática. La obra combina elementos visuales y emocionales para transmitir el dolor, la tristeza y la impotencia que sienten los niños explotados, así como la lucha y la resistencia de aquellos que buscan un futuro mejor. Es una llamada a la acción para que juntos podamos hacer una diferencia y crear un mundo más justo y equitativo para todos."
La pereza a base del avance tecnológico; Cada día es más difícil despegarnos de estos medios ya que facilitan muchas cosas por el hecho de tener el fácil acceso a demasiada información, independientemente de los géneros que consumimos; Y decidí abordar el tema desde la perspectiva en la que ya esto se apodera de nosotros, y nos limita las capacidades de resolución de problemas de nuestra vida diaria por el hecho de volverse una “distracción" y perdemos horas en pantalla consumiendo información que después ni siquiera recordaremos perdiendo la principal función de que sea una herramienta para nosotros. Y para esta obra me eh inspirado por el circulo del infierno de la pereza y la lucha interminable de las almas en el rio Estigia, cambiándolo por raíces apoderándose de la persona en la obra, como otra lucha a base del no movimiento por la distracción en el teléfono y como las raíces se apropian de el en vida.
Cuando era niño memoricé una frase en náhuatl escrita en el libro de historia de la primaria que dice: "In quexquichcauh maniz cemanahuatl, ayc pollihuiz yn itenyo yn itauhcain Mexico Tenochtitlan" lo cual en español quiere decir: "Mientras permanezca el mundo, jamás perecerá la gloria y la fama de México Tenochtitlán", es en dicha frase que se inspira mi obra. Se trata de una escena onírica-realista en el centro de la Ciudad de México, donde en algún momento se fundó Tenochtitlán, aparecen personas contemporáneas caminando e interactuando entre una atmósfera neblinosa a pie de la Catedral Metropolitana; la neblina es como el velo que hace difusa la realidad profunda. La Catedral se presenta como símbolo y gran testigo del enorme proceso que ha atravesado la ciudad desde la época de la colonia. En lo alto del cielo aparecen como energías cosmogónicas las imágenes dé Mictecacihuatl, Xipe Totec y Xochipilli, representaciones de la muerte, el sacrificio y las artes respectivamente, aspectos que en cierta parte han dado un lugar a la ciudad en el macrocosmos.
"Abrazando mi pasado"...es un autorretrato que relata mi historia de autoestima y superación personal. Debido a mi físico, muchos me llamaron de diferentes maneras mientras crecía, a los demás al parecer les gustaba crearse nombres muy creativos donde me comparaban con cosas grandes y anchas, sin dejar de lado que mi dentadura no era la más recta ni la más normal de todas, al grado de que llamaba mucho la atención... mi altura no ayudaba, pues era de las más altas y al ser básicamente un foco de atención, el ser vista y señalada se convirtió en una verdadera pesadilla. Con el tiempo, probarme y colocarme ropa resultaba en un procedimiento bastante doloroso, verme al espejo era motivo suficiente para querer llorar todos los días, aún así la vida continuaba... y tenía que seguir. Esto dejó marcas y heridas que veía difíciles de tratar, provocando así muchos altibajos en mi vida, en muchos aspectos...prefería mil veces quedarme en casa para no ser vista que salir a algún lugar público y exponerme a lo inevitable; todo lo que hacía lo consideraba inútil, no digno de ser contemplado. Todo lo veía negro y toda sensación de recibir aunque sea un poco de lo contrario era lejano. Pasaron los años y por circunstancias de la vida, empecé a conocer personas que jamás me juzgaron por cómo me veía o por quien yo era...hasta la sensación era extraña. Eran personas que habían pasado por algo similar, y solo así, en ese entonces empecé a sentirme comprendida... ya no me sentía sola, personas que habían superado su pasado y que ahora tenían confianza y valentía ante la vida a donde sea que fueran. Empecé a aprender de ellas, como búhos sabios que comparten su conocimiento de vida, y entonces la mía comenzó a cambiar... empezaba entonces a sanar, a olvidar para empezar de nuevo y enfrentar lo que viniera con otra vitalidad, resiliencia y valentía... con otra perspectiva, como las águilas que vuelan alto y libres...así como ellas, comencé a sentirme libre de ese pasado, a abrazar a esa pequeña yo que sufrió por todos esos comentarios hirientes y que permitió dirigieran su vida. No fue, ni es un proceso fácil ni inmediato, lleva tiempo y aún estoy en ese proceso. Hoy en día, me dedico a la educación y al arte, como dos principales motivos de vida que me hacen mejorar como persona y como artista, suficientes para lograr que ese pasado se desvanezca poco a poco y, como si tuviera ojos vendados, no juzgo a otros por cómo lucen...si son altos, bajos o de otra complexión, pues sé cómo se siente, cumpliendo el dicho de, "no hagas a otros lo que no quieres que te hagan a ti". Concluyo diciendo que, rodearte de las personas correctas, tener metas y objetivos (motivos para continuar), y sobre todo, tratarse a uno mismo con estima y afecto son claves para superar y lograr cualquier cosa que te propongas.
El pasado, es el recuerdo de lo que sucedió para dar paso a nuestra existencia, del mismo modo en que nosotros seremos historia para generaciones venideras. Atesorando cualidades como lo aguerrido de nuestros antepasados y aprendiendo de sus errores.
La resistencia a los antimicrobianos (RAM) se produce cuando bacterias, virus, hongos y parásitos cambian a lo largo del tiempo y dejan de responder a los medicamentos diseñados para eliminarlos, lo que dificulta el tratamiento de infecciones y aumenta el riesgo de propagación de enfermedades. En consecuencia, los medicamentos se vuelven ineficaces y las infecciones persisten en el cuerpo, lo que aumenta el riesgo de propagación a otras personas. Los antimicrobianos también se utilizan en la acuicultura y para el tratamiento de ganado y de otros animales. Además, llegan al medio ambiente a través de la orina y las heces humanas y de animales, por la eliminación inadecuada de medicamentos y por el uso en agricultura de estiércol contaminado. Como consecuencia de ello, los residuos también se encuentran en el suelo, las aguas y las plantas, lo que aumenta el riesgo de una mayor contaminación.
Desde una perspectiva existencialista se enfatiza la idea de que el ser humano se enfrenta constantemente a un vacío interior, a un sentido de desarraigo y pérdida de identidad en un mundo que lo cosifica bajo el capitalismo, lo humano es tratado como un producto más, algo que puede ser valorado en términos de utilidad y desechado cuando ya no cumple su función. Este proceso, donde la identidad y la esencia del individuo son reemplazadas por su valor material o utilitario.
El presente proyecto aborda a través del retrato los problemas a los que se enfrenta el mundo actual tales como la soledad, el vacío y la indiferencia, no obstante hay que enfatizar que la transformación positiva y la esperanza del mundo está en nosotros.
Yo, que sigo construyendo mi torre. No puedo alcanzar a ver, por la incomprensión de mis propias palabras y acciones. Quiero alcanzar aquello que mi alma ve desesperadamente, la luz que no puede alcanzar ni la punta de los dedos, de aquella mi alma, contenida en una torre. Uno a uno los ladrillos apilados, de indecisiones en mis acciones, pues quiero hacer una cosa y termino haciendo otra distinta. la torre se derrumba bajo los pisos de mi ignorancia, de pensamientos internos que no entiendo. el idioma del alma, la razón y la carne no se ponen deacuerdo y pelean entre murmullos; donde pareciese que en lo más alto, existe un descontento y estando ellos de acuerdo con cegarme a la vista. Lo que quiero ser y dónde quiero llegar, lo desconozco con miedo. pero claro todo puede estar en mi mente, ser presunción mía de un pensamiento que a veces, ve todo tan lejano y no lo baja de ese pedestal para hacerlo suyo. caída de sus mismos pensamientos e inseguridades.
Entre encuentros y estaciones narra como nuestro pasado prehispánico se conecta con nuestro mundo actual. Retomo el metro como un elemento representativo y simbólico de donde resido (Ciudad de México), añadiendo cráneos que aluden al Tzompantli prehispánico. De esta forma, busco retomar nuestras raíces y las relaciono con nuestra cotidianidad. Personalmente mi trabajo artístico pretende visibilizar las características paisajísticas y prehispánicas más importantes del país y en esta obra decido hacer un tratamiento un tanto diferente al unir dos períodos lejanos entre sí, pero cercanos en cuestión de raíces.
Esta pieza describe el sentimiento de miedo que un ser humano puede causarle a otro. La obra busca a través de las texturas representar a nuestra sociedad descuidada y deteriorada de valores, dentro de la cual existen personas que buscan solo provocar daño al prójimo. Sin embargo, ya sea como víctima o victimario todos convergemos en el mismo plano y buscamos sobrevivir.
La industria cárnica es el conjunto de la ganadería industrializada moderna y uno de los sectores que más sufrimiento producen diariamente, sin mencionar su icónica participación en el cambio climático del mundo actual por la gran cantidad de recursos naturales que demanda su actividad. En la imagen apreciamos el cuerpo aparentemente inerte de una mamá cerda, cuyas crías, con el afán de mitigar su hambre, se amamantan plácidamente de ella. Lo lamentable del asunto es que ellos no saben ni son consientes de que dentro de un par de años serán sacrificados por el valor de su carne —con el puro propósito de saciar la misma necesidad por la que ahora luchan— dentro de los elegantes aposentos de algún restaurante lujoso, una cena familiar o en algún negocio callejero de comida. Ocho cerditos, ocho destinos heredados; "Oh! Inc." busca retratar una de las tantas ignoradas crueldades que los animales, valuados ahora como mercancías, viven dentro de los confines corporativos.
Catarsis “Una semblanza de lo que no podemos ver” Existe una fuerza invisible, una tempestad que habita en las profundidades de la mente. Catarsis es la manifestación visual de ese caos, una obra donde las cabezas de zorros emergen en un estado de descomposición y transformación. Sus bocas abiertas, colmadas de dientes afilados, gritan en silencio, expresando todo aquello que las palabras no logran decir. Estos zorros no son solo figuras animales, sino encarnaciones de la lucha interna, del desgarro emocional que consume desde dentro. Cada uno representa una faceta de esa batalla psíquica: lo salvaje, lo vulnerable, lo que se corroe en el tiempo y lo que intenta sobrevivir. Sus cuerpos parecen desvanecerse en formas orgánicas, como si fueran devorados por el mismo conflicto que intentan expresar. La obra es una oda a todo lo que llevamos dentro y no podemos controlar. Es el grito ahogado de una mente que se desgarra a sí misma, arrastrada por impulsos invisibles pero devastadores. En Catarsis, la furia interna encuentra su eco en los trazos oscuros y detallados, en las texturas que nos recuerdan que, a veces, lo que no podemos ver es lo que más nos destruye. Es a través de esta pieza que la tormenta interior finalmente se libera, un testimonio de la lucha constante con los propios demonios y una declaración de todo lo que permanece atrapado en las sombras de la psique.
En un rincón de un taller mecánico, un niño pequeño observaba en silencio, fascinado. Su abuelo, con un las manos manchadas de aceite y una mirada sabia, le contaba historias llenas de sabiduría que solo el tiempo puede ofrecer. Cada relato unía al niño con el legado de su abuelo, un vínculo silencioso pero lleno de melancolía.
