Participa en el 13º. Concurso Nacional de Pintura Artística Rodin – Royal Talens- Hahnemühle, en los niveles estudiante o profesional. La tematica es libre y en profesional podrás ganar un viaje a Holanda para 2 personas, $30,000 y un kit de materiales.
1) Originalidad de la obra
2) Proceso creativo
3) Contenido temático
4) Aplicación y desarrollo de la técnica
La obra presentada al concurso deberá ser original e inédita en toda su forma, así como no haber sido presentado en ningún otro certamen o hecho público (tanto de forma impresa como digital). En caso de que la obra resultara copia en contenido o similitud será descalificada y tendrá que regresar los incentivos que le hayan sido entregados. Todo material de índole pornográfico explícito o que atente contra la dignidad humana, será rechazado del concurso.
Debes ser residente en México y ser mayor de edad
Se podrá registrar sólo una obra por código de registro, este será proporcionado por los distribuidores autorizados una vez que realice su compra de los productos de las marcas participantes.
Se debe enviar en formato JPG, Color RGB, con resolución de 300 DPIs (3,300 x 2,550 pixeles)
Esto es de todas las noches, cuando el sueño parece irse pero sigo estando aquí. No puedo dormir, cuento 100 ovejas ¿No las ves? parece que se convirtieron en nubes flotando en el lago de mis pensamientos nocturnos, dime Luna ¿Cuando me dejarás ser parte de ti? Me siento sola, como la oveja que se alejo de su manada y se perdió, por favor, déjame dormir.
Con la intención de plasmar en el lienzo ese coraje que nos lleva a brillar y salir adelante de los momentos mas difíciles, "RESILIENTE RESPLANDOR" refleja literalmente la luz de nuestro valor que nos permite encontrar resiliencia ante las inciertas aguas oscuras que por momentos parecieran profundas, interminables... De forma metafórica identificando al espectador como el personaje principal, la penumbra se disipa por el destello que irradia la medusa que destaca sobre las que aun no encuentran su brillo, dentro de un escenario de incertidumbre donde si bien hay situaciones externas, consejos, ideas, opiniones y criticas con su propia luz agridulce que no siempre podemos controlar, plasmadas entre los corales/algas y vida marina, el verdadero temple ante los problemas es la decisión propia de salir adelante y reponerse con carácter ante la oscuridad.
Esta obra representa un objeto en una exposición de un museo ficticio. El objeto que está expuesto se le denomina "lógica". Esta ficha hace alusión a la lógica de los sentimientos. A pesar de esto la misma obra le hace una contradicción al título ya que realmente no hay lógica cuando nuestras emociones juegan un papel en algo, sino que nos aferramos a las dos cosas más ilógicas de la existencia: el tiempo y el amor. Podemos ver como esta obra está colgando de dos hilos de metal que realmente son muy delgados a comparación del objeto, con lo que se puede intuir que la lógica de la obra no aguantara mucho tiempo más siendo expuesta de esta manera.
A pesar de que exista destrucción tanto en la infraestructura de una habitación, de una ciudad o de una nación, de los valores y conductas humanas, podemos encontrar belleza, en los actos, en la caridad, en la bondad, en la naturaleza que nos da esperanza para continuar a pesar las ruinas en nuestras vidas. Como una analogía de esta esperanza, ilustro la belleza en la delicadeza de una bailarina y de las flores que, dentro de una habitación en destrucción, sucia y mancillada por grafitis, pueden resplandecer y brillar bañadas por la luz de un sol resplandeciente.
Los juguetes simbolizan la inocencia y dulzura infantil. Durante esta etapa, experimentamos una conexión profunda con ellos, creando un vínculo afectivo desinteresado que, como niños, percibimos como recíproco. Sin embargo, en el mundo actual del hiperconsumo, el ser humano en su transición a la madurez ha perdido la capacidad de valorar aquello fuera de su propia corporalidad, pues desarrolla un desapego hacia todo lo que no es parte de sí mismo, mediante el reemplazo o el desecho. Por esta razón, el objetivo principal de mi trabajo es invitar al espectador a recordar el valor y el cariño infantil hacia su entorno. Utilizo el bodegón como medio de diálogo, debido a su enfoque en lo cotidiano e inanimado, conectándolo con la misma experiencia infantil diaria del juego, que busca reflejar la forma en que el niño percibe o imagina su entorno como una apreciación genuina y sincera.
Esta pintura a la acuarela es la presentación de una visión, de un sueño premonitorio, de una alarma sobre el ingreso, abierto y directo, de la Unión Europea en otra gran guerra, como sucedió ya hace un siglo. Ucrania ya perdió la guerra, la OTAN, la UE, Inglaterra y EUA no. Para poder someter a Rusia, al otro, llegara el momento en que sea necesario involucrar aun mas poder, mas territorios, mas recursos, mas culturas, mas sociedades, mas vidas. De suceder esto, cada nación de la UE será utilizada como arsenal, disparada en una trayectoria hacia un enemigo con el cual comparten frontera, con el cual comparten comercio, política, economía, rasgos, un continente. No se discierne un territorio, un paisaje especifico ya que esta gran guerra no será contenida por fronteras, arrastrara todo. Columnas de lo que antes fueran seres vivos se levantaran, se elevaran tanto que a simple vista, en cualquier parte de este planeta podrán ser vistas. Los cuerpos, los cadáveres, la sangre y viseras arremolinándose, contrayéndose y chocando. Rosas, carnes y violetas brillaran tanto en un ambiente totalmente iluminado, ininterrumpidamente por las explosiones sin fin. La maquinaria bélica no será vista, su presencia será tangible para la inmensa mayoría, de un lado u los otros, solo por sus consecuencias, sus efectos y secuelas. No serán ni buenos ni malos, ni blancas ni negras, en el frente, las materias totalmente pulverizada, carbonizadas, devastadas, derruidas, desgastadas, aniquiladas, formaran un manto gris en perpetuo movimiento que lo cubrirá todo. No se si alguien podrá contemplar su destello verde, el único indicio que queda de la vida que ahora historia serán. Al igual que quienes fueron arrasados por adorar al "Becerro de Oro", serán visibles ya no las estrellas, sino solo lo que una vez fueron las franjas de lo que fue el ultimo imperio, convertidas ya en vertebras del cadáver de la humanidad.
Invalida de amor es una metáfora que representa como un amor puede lastimarnos al grado de dejarnos inválidos física, mental y emocionalmente y como tratamos de curar y adornar esas heridas para disimular el daño que esta nos ha causado, pero aunque la herida se cure y se adorne, la cicatriz estará con nosotros de forma permanente
Esta pintura es una representación del trabajo obrero, inspirada en la anécdota de mi amigo Juan Carlos (Juanki), quien cuenta que después de los “repellados” se sufren fiebres y dolores provocados por el excesivo trabajo bajo el sol; la escena se enfoca en un hombre que inclina su cuerpo hacia adelante mientras se apoya con las manos sobre rodilla y pared, respectivamente; su postura evoca una sensación de cansancio y resistencia, sus manos enrojecidas son un síntoma del pulso hirviendo provocado por el esfuerzo; no vemos el rostro de Juanki, su clásica gorra blanca lo esconde del calor y de nuestra vista, sin embargo, podemos imaginar que, al igual que el cuero de sus botas, ya está bruñido por soles pasados. Los elementos que lo acompañan se encuentran, al igual que él, revestidos de gruesas capas de mezcla, que la temperatura de la tarde se ha encargado de endurecer. Juanki es una referencia a aquellos trabajadores que han sido curtidos por los golpes de la vida y del sol, y que pese a las tragedias y adversidades siguen elevando una mano en señal de resiliencia.
Esta es una obra que concreta y sintetiza mi filosofía de vida la cuál he basado en principios de antroposofía, alquimia y ciencia espiritual. Como elemento principal vemos un personaje de apariencia femenina que sin embargo lleva una corona de Sol la cual en esotérica comúnmente es utilizado para representar la energía masculina, por lo que este personaje lleva en si mismo las dos polaridades masculina y femenina lo cual lo hace un ser individuado y completo. En una de sus manos sostiene una esmeralda con forma de corazón el cual simboliza el cuarto chakra (chakra corazón) que según los principios de antroposofía de Rudolf Steiner es la energía en la que la humanidad debe trabajar para evolucionar, dejando atrás las eras en las que los instintos primarios han reinado el mundo. Podemos ver a este "Sol" tras un velo, el cual es el "velo del olvido" con el que todos nacemos al llegar a este mundo, olvidando así nuestro origen de luz cósmica y cuyo propósito en la escuela de la Tierra es recordar para poner nuestros dones divinos al servicio de la humanidad. Esta obra también contiene elementos botánicos lo cuál indica la importancia de regresar y rescatar el mundo orgánico pues en la alquimia del ser será imprescindible para sanar el cuerpo, alma y espíritu como así lo descubrió Edgar Cayce, ayudando a la humanidad a evolucionar. En general esta obra representa mi esperanza en la nueva era de la humanidad, aun a pesar de la violencia y caos que el mundo esta atravesando para depurarse y sacar a la luz las sombras que lo han acechado durante eras enteras. Así pues tengo presente y aquí lo represento que seres divinos nos guían y apoyan en este proceso de evolución más allá del velo del olvido.
"Por todos" una pieza en la que intento retratar y reflexionar parte de la "labor" doméstica no remunerada de mi madre, un ejemplo visual de sacrificio físico, de tantos que hacía por nosostros su familia, servirnos y sentarse al último o no sentarse en las comidas del día para estar al pendiente si necesitábamos algo, siempre al pendiente de todo, todo el tiempo.
En mi obra, expreso la necesidad natural de la autoridad por encontrar la legítimidad de su mandato, que en ocasiones es a cualquier costo. La sangre azul necesita mucha sangre roja. La inmersión del sujeto en el rojo implica la cantidad de sangre que ha necesitado para conseguir hacer brotar su corona; la corona del nuevo rey Herodes.
EL CAOS FORMA EL ORDEN!!! El trasmitir una sensación surrealista dónde los elementos que la componen van más allá de una apariencia física conocida, por eso "mis elementos danzan en un espacio y tiempo irreal" dónde la línea y el color se funden para transmitir en el espectador un atisbo a otra realidad.
Somos los directores de nuestra propia melodía, nuestra vida, si alguna nota no nos gusta tenemos la opción de Cambiarla, tenemos el poder de elegir cómo queremos que nuestra vida suene, somos los Solistas de nuestra propia Orquesta (en este caso es una Violoncellista).
"Los huevos de las madres" es el titulo de esta obra en donde se representa a una figura femenina y en su cabeza unos huevos de ave que representan el VALOR de muchas mujeres madres solteras que cuidan y sacan adelante a sus hijos, ya que en México la palabra huevos visto desde otro sentido se entiende como valentía, es por eso que se representa de una manera simbólica con huevos de ave en un nido sobre la cabeza de su madre y de fondo un bosque oscuro que representa los peligros y obstáculos que pueden pasar
El ¨guerrero jaguar¨ era el rango más alto (militar) que un macehual (uno de los estratos más bajos de la sociedad mexica) podía alcanzar, por lo que eran figuras de admiración y respeto entre los estratos bajos de la sociedad mexica. Nunca existió el concepto de ¨Artista jaguar¨ en la cultura mexica, aunque de cierto modo es algo a lo que yo podría aspirar, ser una persona que a base de esfuerzo, constancia y arte, logre sobresalir. Nunca sabremos de qué manera pudo haber florecido la cultura mexica, por eso la persona y el jaguar están ¨incompletos¨, jugando con la psicología de la Gestalt, la persona expectante la puede completar desde su imaginario.
Esta obra es una representacion del espiritu que es una fuente vital para el ser humano, en el que intervienen sentimientos y emociones, en las que el espiritu es aquel que saca el coraje y la valentía, por esto la forma y la expresión del rostro en la que se puede sentir la fuerza y el coraje, las formas de composicion en las que el personaje está rodeado y atravez de las cuales dan la sensación de como va desapareciendo el personaje representan el proceso de cuando muchas veces reprimimos nuestras emociones en las que contenemos al espiritu pero que al mismo tiempo dejamos en desesperación por no dejarlo actuar.
Este cuadro captura la esencia cálida y acogedora de un puesto de pan durante un invierno mexicano. A través de una paleta de colores cálidos que abarca desde tonos marrones hasta naranjas tostados, la obra busca transmitir la calidez y la rica estética pueblerina que caracteriza a México. Es un tributo a la simpleza y belleza de los paisajes rurales, donde cada elemento refleja la tradición y el arraigo cultural de un México lleno de vida y color.
La obra nos presenta un momento estremecedor suscitado en la Reserva de la Biosfera Sierra Tecuani, tras el ataque de drones cargados con bombas incendiarias para quemar deliberadamente la selva por parte de grupos del narcotráfico. Las imágenes son absolutamente terroríficas al ver el daño causado a un lugar que busca preservar este sitio emblemático de México, me pregunto ¿Qué será del medio ambiente, si las acciones por la conservación son castigadas con actos violentos que atentan contra vida misma.
La vida es corta , pero hay muchos momentos que son eternos dentro de tu propia vida. La vida es un sueño hecho realidad. La vida no deja de ser una aventura pequeña o grande , ¡Atrévete a vivirla! La vida es un lienzo en blanco, ¡pinta tu propio destino!
¿Dónde crece lo imposible? El descarte, la chatarra y la basura, cosas que ya han sido relegadas a la intemperie donde su destino es oxidarse y perecer, es el lugar aparentemente inhumano, inhabitable, más bien es el lugar del olvido que sin la mano del ser humano se vuelve el medio propicio para que la naturaleza se imponga y devore lo que esta a su paso. Aquí había una bicicleta ahora hay naturaleza. Aquí había humanos ahora solo hay basura.
Esta obra surge a partir de asistir a la fiesta patronal de mi pueblo, donde percibí que este tipo de eventos más allá de ser un espacio de veneración al santo patrono, funcionan también como un espacio para convivir de manera familiar, amistosa o romántica. En esta fiesta, uno de los eventos principales es la quema del torito, dicha acontecimiento permite que afloren todo tipo de emociones intensas, generando movimiento y caos. Este suceso también funciona como catarsis para el ser humano ante modelo de vida rutinario y asfixiante. Esta obra captura ese momento de caos y de liberación.
Una obra basada en un cruce de la Ciudad de México; más precisamente, del museo de antropología, donde se encuentra un monolito que todos parecen ignorar. Por ello, mi obra retrata este cruce como un espacio vacío con el monolito al centro, donde incluso asi los vehículos parecen ignorarlo dándole la espalda.
Ancestros, en honor a mi abuelo don Dzíu campesino maya, manos que an trabajado en campo con la sabiduría de sus Ancestros como el Dios yum kaax , en la neblina se encuentan pintados yum kaax y el símbolo del maiz
La alienación es un sentimiento que nos caracteriza en nuestra sociedad contemporánea, pues el movimiento en el mundo, el trabajo, los estudios, la sobrepoblación, y muchos otros, son factores que en momentos de la vida logran distanciarnos del resto, ensimismandonos y sintiéndonos como si no fuéramos parte de nada, en esta obra busco hablar de esa emocionalidad en nuestro país, representando la contemplación del movimiento del mundo, pero también una desconexión personal como consecuencia, tomando la bicicleta como símbolo de movilidad individual pero presentando un estado de reposo, haciéndola a un lado para poder ver todo aquello a lo que no se pertenece.
Cerca de mi casa existe un paseo a la orilla del río, entre la maleza y basura que la gente tira en el, viven un grupo de pequeños peludos, los mapuches, se les puede ver en grupo o en solitario, siempre buscando comida, incluso en mucha ocasiones salen de este lugar y suben a los hogares de las personas. Ellos no son intrusos, su hogar ha sido invadido por los desechos.
Se trata de la primera pieza de una serie de pinturas que considero una oda al perdido arte de los pósters de películas pintados a mano. Es una hipotética película sobre el martirio de Santa Apolonia, santa patrona de los dentistas; a quien le arrancaron los dientes con pinzas como parte de su tortura. Por lo que como artista me pregunto, ¿qué sería de estas historias con una narrativa moderna? Lo interpreto como un slasher serie B de los 70's u 80's. Ésto tiene una connotación sobre la violencia intrínseca en las creencias populares y religiosas, además de una crítica a la naturaleza explotativa del género slasher.
El Trébol, Tepotzotlán: Lugar de conflictos entre rutas de combis. En mi cuadro, quise imaginar un mundo utópico en el que las amenazas de muerte entre compañeros de profesión se arreglan con el regalo de un agua de horchata comprada en un semáforo, referenciando "La creación de Adán" de Miguel Ángel.
Imagina una ciudad sin sonido. La campana de la basura, enmudecida; el camión del fierro viejo silenciado o un vendedor mimo en medio de la selva de asfalto. Los sonidos que damos por sentados cada día forman parte del tatuaje vivo citadino que va más allá del giro comercial, forman parte del patrimonio creativo de la ciudad que lleva el sustento al hogar. Una danzante y una organillera son testigas del ingenio y la valentía por preservar las tradiciones del imaginario chillango en medio de una ciudad que respira hondo, que entreteje sus sueños de superación y lucha mientras evoluciona en todas direcciones posibles
Mi trabajo me ha permitido conocer mucha gente , entre ellos, varios niños y niñas en zonas marginadas la ciudad de México donde muchas veces las acciones culturales no llegan a detonar procesos como si los hay en zonas de mayores recursos económicos dentro de la misma ciudad, ésta pieza intenta ser un pequeño retrato de un instante donde los artífices y aprendices somos todos, la construcción de conocimiento desde una posición horizontal colectiviza el aprendizaje e intenta desarticular practicas hegemónicas desde una supuesta superioridad intelectual y cultural como si de colonizar se tratase, es así que practicas como éstas quizá se acercan un poco a palabras que mejor escribiría Paulo Freire.
Uno de los juegos mas icónicos de la cultura mexicana es la lotería. Lo que no solemos ver es que esta "Lotería mexicana" también existe en la diferencia de realidad de algunos mexicanos, y la mayoría de los otros, en donde el azar juega a nuestro favor o en nuestra contra. Todos hemos visto el cable de luz con tenis colgando, y quise hacer una re interpretación de este símbolo concurrente en la vida cotidiana. El tenis está sucio, roto, y es más realista, destaca a comparación del tacón. El tacón es más caricaturesco, ya que sólo pocos realmente entienden este lado de la historia, no es fácil de poderse identificar con el símbolo de la izquierda. Esta obra invita a la reflexión de la dualidad marcada que vivimos, que no podemos voltear a otro lado cuando lo que importa es lo que destaca, y que no escogemos. Y recordar que no deberíamos de vivir en una lotería mexicana en donde haya "ganadores" y "derrotados".
La flor de cempasúchil se utiliza tradicionalmente en México en la celebración del Día de Muertos, además de utilizarse en la decoración de las ofrendas y tumbas, los pétalos suelen usarse para trazarles un camino a los difuntos que llegan de visita y ayudarles así a encontrar su camino. "Para que me busques mañana" es un homenaje a ésta tradición y a nuestra gente que la mantiene viva. Ésta imagen me capturó en el mercado de Jamaica y quisiera ahora mostrar algo de lo que pude ver ese día antes del día de muertos.
Entonces le dije a Carlos que era importante ahorrar, ahorrar para invertir, invertir para tener más dinero, dinero para comprar una casa, una casa para vivir, o para el retiro tal vez. Bromeamos para no sentir que éramos dueños de nada. Me percaté entonces, de que tal vez, solo tal vez, no era la única a la que le afectaba pensar en un futuro incierto, desalentador.
Retrato creado buscando el realismo basado en una fotografía que yo misma tomé de mi sobrina a sus 2 años y mi mascota de 2 meses que recién había adoptado. Hoy mi sobrina cumplió 18 años y mi mascota falleció el año pasado de 15 años. Este es un homenaje a la vida de ambos y a la magia de la relación interespecie que habita en mi familia.
Esta obra se enfrenta a la noción binaria de artificial frente a natural, sugiriendo en su lugar la idea de un «algoritmo floreciente» como una extensión inevitable de la propia evolución. Al igual que un árbol crece hacia la luz, extrayéndose de la tierra que lo esta nutriendo, se representa un crecimiento del conocimiento colectivo invitando al espectador a contemplar la armonía potencial entre la humanidad y esta «nueva» forma de inteligencia, que no sustituye al pensamiento humano, sino que lo amplifica.
“Mira este tiene un mayate” es un retrato que forma parte de mi proyecto llamado “Se hace camino al andar, viaje por Oaxaca” el cual lo conforman piezas de dibujo, grabado y pintura inspiradas en una bitácora de viaje y algunas fotografías. Este retrato fue realizado en el mes de Agosto del 2024, es una pieza elaborada con óleo sobre un bastidor rígido de madera, mide 32x26cm. Para elaborar la pintura me base en un registro fotográfico que tome durante el recorrido sobre los campos de cempasúchil y borla. Un fondo negro me sirvió de base para iniciar la pintura, con una carga sutil de materia pictórica esboce algunas líneas y manchas para ubicar la figura central, flores, follaje, primer plano, arboles y cielo. En las siguientes etapas empecé por esbozar los planos de atrás de forma no tan definida para que el personaje domine la escena, después agregue color y definición al vestido y follaje del primer plano. La etapa final la dedique al rostro, brazos, manos y mascada amarilla concretándolas en color y forma, también las plantas y flores adquirieron mayor presencia con colores saturados y quebrados para dar un sentido de espacialidad.
Entre espinas y ojos, los troncos de las ceibas son imponentes, se siente la mirada de esos gigantes tan bellos, podría ser la madre naturaleza que los puso de vigilantes. En la cosmovison de los mayas y de otras culturas en todo el mundo, la ceiba es un árbol sagrado,representa el árbol de la vida, la copa es el cielo,el tronco es el plano terrenal y las raíces el inframundo, conectándose los 3 a través de la ceiba El tronco se asemeja mucho al plano terrenal, con sus espinas, momentos duros y dolorosos, pero sin dejar de ser bello y extraordinario
"Demasiado Jóvenes" refleja la presión y sofocación experimentada por las jóvenes parejas que se ven enfrentadas a diversos obstáculos de la vida; la presión por el matrimonio, la inestabilidad económica, la diferencia de metas, etc. Dichos problemas generan roces y expectativas irreales mutuas, creando un ambiente asfixiante en la relación.
Esta es la obra terminada "Aquí estamos". Esta obra quiere hacer una pequeña reflexión sobre todos los animales que rodean y vagan de aquí allá ya sea muy adentrados en la tundra o perdidos en el bosque en donde jamás nuestros ojos llegaran a ver, así como los que vuelan sobre nuestros techos y los que pasan debajo de nuestras casas encerrados en la obscuridad que los abraza., quizás deberíamos tener más empatía por lo que nos rodea quizás deberíamos saber apreciar cada cosa que hay en este mundo a sabiendas que ha estado ahí por años tan lejanos y que seguirá cuando ya no estemos, será que tiene algún secreto algo que es tan viejo ? por qué he de saber más yo o tú que apenas somos solo unos segundos de destello en los cielos en un lugar que llueve todo el año, tal vez y solo tal vez deberíamos saber amar más lo que es. Esta una obra que inspire curiosidad e intriga. Obra creada en óleo sobre lienzo 100% algodón de 320gr con detalles textiles de tela y cosido, formato estilo pergamino con madera de pino y cuerda tintada color vino.
Esta obra refleja la fusión entre lo tradicional y lo contemporáneo en la cultura mexicana. Inspirado por la vida urbana de la Ciudad de México, utilicé fragmentos de propaganda recolectados de las calles para crear un collage que simboliza la actualidad efímera que nos rodea. En el centro, las máscaras de Blue Demon y El Santo simbolos icónicos de la rica tradición mexicana, integrada con los elementos modernos para mostrar cómo el pasado y el presente coexisten en nuestra identidad cultural, invito al espectador a explorar cómo la historia nos ha influenciado hasta la actualidad y cómo estas influencias se reflejan y se entrelazan en nuestro entorno diario.
Durante años, viví atrapada en una máscara social, intentando cumplir con las expectativas de los demás, hasta que el arte me liberó. Sé lo que es enfrentarse a la presión social y familiar, a la inseguridad económica y a la constante duda interna que nos consume como creadores. Mi obra “El artista inmerso en la sociedad" es un reflejo de esa experiencia, presentando una figura femenina desnuda rodeada por la estructura de la ciudad en tonos fríos y entre penumbra, simbolizando la vulnerabilidad del artista en una sociedad que raramente comprende su sensibilidad. La obra es rotativa, y con cada giro, el rostro revela una nueva expresión, evocando las múltiples emociones que los artistas experimentamos en silencio y en la soledad de donde surgen nuestras creaciones. La mirada sigue al espectador, rompiendo la cuarta pared y destacando la tensión latente entre la autenticidad emocional y el espectador que ve al artista desnudo al apreciar sus obras y conectar con su mirada, a medida que la obra rota, la expresión cambia, esto también es símbolo de que la interpretación de una obra depende mucho de quien la mira. A través de esta pieza, quiero que el espectador se conecte profundamente con la lucha interna del artista, comprendiendo que detrás de cada obra hay una historia de resistencia, de búsqueda incansable de autenticidad, y de una necesidad vital de expresión. También deseo que otros artistas encuentren en mi obra un eco de sus propias luchas, que sepan que nuestra sensibilidad es nuestra mayor fortaleza. Ser artista no es un capricho, es una necesidad imprescindible para quienes vivimos esta pasión.
el "Bautista o el Festín de Herodes" donde se aprecia la textura a madera del la Talla de la cabeza y la iridiscencia de la concha nácar y la tela del mantel. Haciendo una alegoría referente al evangelio de Mateo y al Evangelio de Marcos, la profecía de Isaías y el relato referente a Salome, la decapitacion de San Juán Bautista y el Banquete de Herodes. Donde al sustituir el tradicional platón de plata por una concha, símbolo de prosperidad y del renacimiento, utilizado por San Juan para Bautizar, reflexiono sobre la vida del santo y la finalidad de la existencia, que al ser restituida a su origen primigenio, renace completando un ciclo eterno.
Hay emocines tan fuertes que se manifiestan en el cuerpo físico, e incluso diluyen la realidad. Este es un auto retrato desde el recuerdo de una pena, cuando las personas se convirtieron en espectros y yo en un alma sin rumbo, todos vagando en una ciudad fría e indiferente. Aquí todo parece melancolía, pero aun así hay esperanza, hay brillo y se convierte en un recordatorio de que, al igual que las mariposas, todo cambia, todo se trasnforma, y una experiencia es solo el proceso de una metamorfósis.
Esta pintura representa la dualidad entre la percepción y la realidad. La mujer que sostiene el espejo, refleja un bosque verde y vibrante, simbolizando lo que ella desea, un aspecto optimista de la vida. Sin embargo, a su lado el bosque frío y nebuloso, dónde un ciervo observa en silencio, representa esas verdades más profundas, las emociones y realidades que a menudo ignoramos o dejamos para luego. Este ciervo representa la conciencia, una parte de nosotros que siempre tiene presente estás realidades ocultas, siempre observando desde la distancia. Está obra habla de como nuestra mente altera percepciones, mostrándonos solo lo que queremos ver, mientras que la realidad completa puede ser mucho más compleja y misteriosa, escondida en los rincones más lejanos de nuestra experiencia.
El susurro de las máscaras nos invita a sumergirnos en un mundo donde la multiplicidad de identidades, emociones o máscaras que una persona puede asumir se entrelazan en un diálogo silencioso. La figura principal, bañada en una luz suave, se presenta serena y distante, como testigo inmóvil de un conflicto interno que yace bajo la superficie. Su perfil parece encapsular un momento de introspección congelado en el tiempo, mientras a su alrededor, el rojo vibrante del lienzo sugiere una tensión latente. En la parte inferior, los rostros abstractos, desdibujados y entrelazados, emergen como "máscaras" que simbolizan los conflictos internos, las emociones reprimidas y las facetas ocultas que llevamos dentro. Las pinceladas, aquí más libres y agitadas, reflejan la confusión y el anonimato, creando un torbellino visual que contrasta con la calma aparente de la figura superior. Esta obra encuentra su voz en esta dualidad, creando un puente entre lo visible y lo oculto, entre lo que mostramos al mundo y lo que preferimos mantener en silencio.
Mi inquietud por esta obra nace a partir de verla a ella, una vendedora de flores, que tenia algo peculiar, algo no visible en las personas o simplemente no era tan consciente de ello. Rosa, su nombre, es una persona marginada ante los ojos de la sociedad, pobre, vive al día y horas tras hora caminar intentando vender una flor, es alguien oculta, invisible para la sociedad, está ahí, camina, respira, tienes necesidades como cualquiera, entonces ¿por qué nadie la ve? al menos yo no la había visto antes, y ahora no la veo de la misma manera. Doña Rosa una mujer de la tercera edad, irónico que venda flores, incluso rosas, es una lástima que su única forma de mantenerse sea a través del poco conocimiento y límites bajo los que creció, tras perder a su esposo, solo así puede obtener ingresos para comer y pagar sus medicamentos para la diabetes, aun enferma con las manos temblorosas no suelta sus flores, no puede. Aunque mi hábito es hacer retratos de unos años para acá, no entendía su propósito, comprarle unas flores a Doña Rosa y verla fijamente me ayudo, así, sin más. En ella pude ver el reflejo del tiempo, la vejez, la resiliencia del ser humano al prevalecer en contra de las adversidades, la humildad de una vida así. En su rostro lleno de cicatrices del tiempo, en su mirada cabizbaja, triste casi inanimada, esconde tan visible la vida en su estado más puro el de existencia, la real la tangible Doña Rosa y aquella esencia de su vida invisible.
La luna provee luz que ilumina a quienes persisten en la adversidad la vida no surge sin blandir el filo, ni las flores más bellas saldrán de la tierra sin espinas Quédate inmersa en la oscuridad y aprende de su ferocidad el manto negro es donde nacen aquellas que brillan como ninguna otra la noche es apacible, solo déjate llevar ante la inmensidad...
Trata sobre el crecimiento personal a través de memoria familiar, crecer implica recordar el pasado con una cierta nostalgia, pero agradecer que las cosas fueron como tuvieron que ser para construirte un criterio y una fortaleza que en el pasado no tenías. Acabar ciertas cosas ayuda a sentirte en paz con lo que hoy eres.
“Muchas veces las respuestas que buscamos fuera, las tenemos a 15 minutos de silencio…” The Hermit o el Ermitaño, es el numero IX de los arcanos mayores, esta representa el retiro y la soledad mientras sanas para tener un bienestar interno y así mismo encontrar la guía y sabiduría necesarias para salir avante ante la duda, como una forma positiva de ver la crisis. En esta ocasión represento esta interpretación con una mujer de facciones joviales pero con dotes de temporalidad como los ojos lechosos y la piel blanca característicos de el paso del tiempo y la carga de sabiduría referentes a ese mismo paso del tiempo, el bastón contiene la luminaria que sirve de guía entre la soledad y la obscuridad que hacen referencia a los tiempos oscuros, este bastón que es más una lanza, termina coronada con el símbolo celta de la sabiduría que a su vez es la luminaria, lo cual hace más énfasis en la obtención de la sabiduría y la guía en la meditación en soledad. El atuendo escaso hace referencia al desprendimiento y la postura que ella tiene representa a la autoridad y contundencia que a su vez nos indica que espera las respuestas que se manifestarán al momento de meditar de forma calmada.
AUTOCONTROL (autorretrato) Esta soy yo, topando con la realidad, tratando de encontrar respuestas y resignándome a la misma… Llevo tiempo sin darme cuenta que voy viviendo de manera automática, me he enrolado en la rutina y de un momento a otro comenzaron a darse situaciones en mi entorno que han llegado como un golpe afectando mi estabilidad, a veces siento quebrarme o que me es imposible de sobrellevar, pero recuerdo que tengo ese papel de madre, de mujer, hija, amiga… y aun con esas dificultades debo aparentar calma, mantener entereza aunque por dentro mis emociones impulsen a mi cuerpo a decir lo contrario, de ahí la pose donde mi rostro se contiene y mi cuerpo se resiste a aceptar esa realidad. Este es el reflejo de quien soy
Esta pintura esta inspirada en textos bíblicos que hacen referencia al día en que se llevaran a cabo las bodas del cordero. También hay elementos que representan claves de revelación para entender la Tora de una manera simbólica, hablándonos del Reyno de Dios y el Reyno de Cristo.
Bajo la sombra de un cielo teñido de misterio, se revela un encuentro sagrado entre dos almas que trascienden lo terrenal. En esta obra, la figura femenina, delicada y etérea, se entrega al abrazo de un cocodrilo albino, símbolo del poder ancestral que yace en las profundidades de la naturaleza. Este no es un encuentro de miedo, sino de comunión; un momento en el que lo humano y lo salvaje se reconocen como partes de un mismo todo. La mujer, envuelta en un manto que fluye como aguas que nutren la tierra, se funde con la piel escamosa de la criatura, reflejando la conexión inquebrantable entre la vida y la naturaleza. Su expresión, serena y entregada, sugiere una aceptación plena de esta alianza primordial, una invitación a regresar al origen, al lugar donde el espíritu humano y la fuerza indómita de la naturaleza convergen en una danza eterna. Los colores que envuelven la escena, con su calidez terrosa y su vibración de verdes profundos, nos llevan a un estado de introspección, recordándonos que, en lo más profundo de nuestro ser, compartimos una conexión inalienable con cada criatura que habita este mundo. "Conexión Primordial" es un recordatorio de que somos parte de una red de vida más vasta y antigua de lo que podemos comprender, una red que pulsa con la energía vital de todos los seres que, como nosotros, buscan su lugar en el gran ciclo de la existencia.
Es una obra sub realista, desarrollada con la técnica de pintura al oleo, que refleja el transitar humano. Los elementos que componen la obra son el corazón que representa la vulnerabilidad al experimentar nuestra vida humana, la mariposa representando el alma y la esencia pura, el fondo simbolizando los pensamientos que tienen movimiento constante en nuestra mente y que nos sobrepasan, pero que a su vez van perdiendo fuerza con el paso del tiempo, la flor significa florecer y el cambio, en la transformación de uno mismo, todo este proceso humano que experimentamos en nuestro caminar. Gracias Fernanda Galvan Corona.
Todd es un personaje que inventamos mi mejor amigo y yo sobre él, sobre nosotros, nos ayuda a transitar la existencia real e imaginada. ''Hoy salí a las calles. Mis pasos fueron a dar con mi futura nostalgia, hasta raspar el concreto con toda mi fuerza; entonces se escucharon caer unas cuantas gotas. Volteé. Creo que no fui yo. Espero no haber sido yo'' -Todd 2017
Podemos recordar el pasado y podemos imaginar el futuro, pero el tiempo solo nos permite vivir el presente. Mi objetivo con esta obra, titulada "Tiempo" es transmitirte la importancia de vivir el presente. Elegí un lienzo circular para concentrar toda tu atención en el centro del lienzo, que a su vez significa el tiempo presente. Las curvas irregulares de colores parten del centro hacia diferentes direcciones con la finalidad de representar las incontables percepciones que podemos llegar a tener de la vida en diversos aspectos. Las curvas de color amarillo son las más tenues y representan la máxima felicidad, le siguen las curvas rojas que representan al amor, después las curvas azul métalico representan con mucha fuerza a la libertad y finalmente las curvas verdes representan al transcurso natural de la vida. Por último, en color dorado puedes observar que la palabra "tiempo" está escrita tanto de manera inversa como de manera normal y cada vez que las letras se extienden a la izquierda o a la derecha éstas se deforman más, pero la única letra que no se deforma es la "t" y con esto quiero decir que no importa si recordamos el pasado o imaginamos el futuro porque el único lugar (si así se le puede decir) donde podemos vivir ha sido, es y siempre será el presente. Espero que disfrutes mucho de mi obra. Atentamente, Cristóbal René Vázquez Vargas.
En México, hay creencias acerca de las mariposas, se dice que son las almas de nuestros seres queridos que vienen a visitarnos después de fallecer, recordándonos que sus almas viven a través de la naturaleza y su ambiente. Por ello, he plasmado estas mariposas en mi pintura, en honor a mis seres queridos que han trascendido.
Esta obra es mi interpretación a la carta del rey de bastos, cuyo simbolismo nos transmite una figura fuerte e imponente pero dispuesta a poner atención a su entorno y explorarlo con madurez. Con esta obra expreso mi sentir ante determinadas situaciones personales recientes.
Atesorando platicas es una pieza que nace de una serie de fotografías que tome de mi esposa y de mi dentro nuestra interacción en casa. en ese momento pasábamos una racha de enfermedades y malestares que ella sufría y pasamos bastante tiempo en las paredes de nuestro hogar generando platicas intimas, muy intensas donde pudimos descubrir un poco mas acerca del otro, atesorando la confianza que tuvimos al compartirnos esos momentos mostrando nuestro lado mas humano. de esto también surgió una reflexión acerca de los cuidados , la salud, el estar preparados para cualquier eventualidad y como afróntalos que es con cariño, el amor hacia la persona amada.
trato de representar ese colapso y estallido mental sobre pensamientos negativos representándolo en forma de cuervo pues este se relaciona con lo carroñero y la basura, saliendo en un explosión de la cabeza por la ya incapacidad humana de poder contener tantos pensamientos, voces e ideas en la cabeza, dejó al espectador crear bajo su criterio quien puede ser esa persona por eso de espaldas, traté de conseguir una pintura dramática por la iluminación para crear esta idea de suspenso, tratando de resaltar la musculatura con la propia iluminación que se genera, es una idea simple y compleja al mismo tiempo, es el espectador quien le da sentido, pues quiero que lo interprete según el estado emocional en que se encuentre.
Expresión la de una persona que en base de tanta preserverancia y en su momento de sufrimiento vuelve así misma reconociendo su ser, valor, su fervor, buscando su propia, redención las mariposas representan nuestros anhelos. Tu mism@ abres las puertas de tu propia realización personal cumpliendo nuestros sueños que trascienden a la paz y alivio interior ,Gracias Vida !
Rito de fuego- 2024- Óleo- 50cm x 40cm Babilonia. Desde los cuatro puntos cardinales llegan los cuatro magos a la cima de la luz. El mago de la Aurora, el mago del crepúsculo, el mago del medio día y el mago de la noche, se reunen a descifrar las señales y predecir.
Siempre es complicado poder explicar lo que guarda el lienzo de una obra de arte en cada uno de sus poros. Haré lo posible por transmitir esta enriquecedora lección. Ella camina lentamente. Sus curiosos pies desnudos, acarician su suelo, siguiendo con atención y alegría el camino que ella misma creó, tan frágil como el papel higiénico. Su expresión es de calma pura; sus ojos grandes y brillantes, reflejan una mezcla de asombro y determinación. A su alrededor el mundo parece desvanecerse en un fondo oscuro, pero en ese momento solo lo que le importa es el recorrido por su camino. Las risas y el bullicio de los adultos se escucha lejanos, como eco incierto, mientras ella se sumerge en su propio universo. Desde arriba los adultos vemos las cosas con gran ego ; se puede ver su pequeño cuerpo en movimiento, una figura delicada que se desplaza con gracia como si danzara sobre las líneas que dividen un escenario. La luz juega con su sombra creando un efecto mágico que envuelve la escena. Cada paso el un descubrimiento , cada línea una aventura. En su mundo las preocupaciones de los adultos no tienen cabida y la simplicidad de su concentración nos recuerda la belleza de ser niños. Deseo darle la importancia justa y mantener la luz a los caminos de los niños, para que vivan lo mejor posible el tesoro de la infancia.
En los frescos y salados mares de Acapulco se saben muchas leyendas, el grito de la brisa nos siguen contando historias de escapes épicos desde el fortín de la Mira, la memoria colectiva nos sigue poniendo los pelos de punta al ver seguido fogatas descontroladas en la corona de los acantilados, allá donde nadie humano vive ni puede escalar, dónde la marea cuando baja nos muestra un poco de lo que esconde, ese secreto que todos los costeños sabemos y dejamos habitar con tal de no mandarnos tantas tormentas, donde nadie se ha aventado un clavado.
Esta obra está inspirada en el experimento del gato de Schrödinger y en los principios de la física moderna. A través de ella, busco expresar cómo las personas pueden moldear la realidad que desean mediante el poder de la decisión. El experimento sirve como una analogía para ilustrar cómo nuestras vidas funcionan de manera similar. Al igual que el observador en el experimento que no sabe si el gato está vivo o muerto dentro de la caja, nosotros también necesitamos 'mirar' y descubrir nuestra realidad por nosotros mismos. En última instancia, el observador es quien construye su propia realidad; solo necesita atreverse a mirar.
NATURALEZA MUERTA CON INSECTO Es una obra que explora el tema principal de mi pintura, en ella represento el cese de la existencia de una manera directa, sin embargo, se hace énfasis en el ciclo de la vida, representando un ser vivo que aún saca provecho de la materia orgánica en descomposición, en este caso disimulado con una mariposa. Una obra diferente a lo que normalmente trabajo, ya que en mi pintura hablo de la muerte en forma de elementos óseos no representándola tan directamente como en este caso, sin embargo en mis últimos cuadros, he encontrado en la imagen de un pájaro muerto, específicamente un gorrión, la caracterización perfecta de la existencia y su inevitable fin.
Dos niños jugando a la orilla del mar , sus pies están entre el sargazo que está acumulado entre sargazo seco y fresco , ellos juegan a arrojarse el sargazo, debajo de un cielo despejado , se han acostumbrado al alga que llegó hace algunos años y que regresa todos los años con el calor.
Esta obra surge desde una reflexión en torno al cuerpo, la memoria y las imágenes. Tras recorrer mi archivo y álbum fotográfico familiar recapacité sobre cómo internalizamos y externamos nuestras memorias, desde su cualidad inaprensible e intangible. En esta pintura exploro otras formas de representación y figuración, mediante una sobreposición y yuxtaposición de imágenes, con la intención de evocar una expresión psicológica del sujeto, que muestra dos facetas de su identidad, como un modo de habilitar otras miradas. Resolví por intercalar dos temporalidades: una fotografía antigua proyectada sobre otra que incorpora una persona en tiempo presente. En la imagen proyectada se muestra el registro de una ceremonia nupcial: un rito de paso, la transición de una etapa de la vida a otra. La mujer que posa recibe la luz de la imagen sobre su piel, en donde se transfiguran, reavivan y encarnan las memorias. La proyección funge como metáfora visual: una manera de corporeizar y reconfigurar la carga de una imagen del pasado; un cuestionamiento sobre los roles, deseos y/o expectativas que se nos atribuyen en una tradición familiar o en un contexto sociocultural, que a su vez forman o construyen una identidad personal. Proyectar también refiere a un continuo desplazamiento hacia el futuro, donde busco hacer coexistir un flujo constante de narrativas.
La pieza compuesta de varios elementos de diversos temas y estéticas, toma como escenario la plancha del Zócalo (en Ciudad de México) espacio que desde la época prehispánica, virreinal y actual, a funcionado como centro recreativo social. Presento varios personajes, figuras y arquitectura que conforman un pasaje histórico de México en una sola imagen.
Paisaje urbano de las calles de mi ciudad, donde transitamos a diario, cientos, miles de personas...con nuestras dificultades, problemas, sinsabores, deseos, anhelos y sueños...SUEÑOS, que a pesar de los pesares nos dan alegría de vivir y razones para seguir adelante. Soy ferviente admiradora de los pintores del paisaje urbano, actuales de la corriente impresionista y aunque tengo poco tiempo de dedicarme a la acuarela de forma mas comprometida, espero algún día plasmar las vivencias, la atmósfera, el ambiente que se vive en nuestros paisajes mexicanos de una forma por lo menos digna. Soy apasionada de la acuarela. GRACIAS!!!
Un niño , un alma pequeña. "Más bien porque es pequeña puede vencer, porque toda la fuerza está en la pequeñez". Jesús a la Sierva de Dios Luisa Piccarreta. Esta obra es un homenaje a todos los niños en los hospitales, que luchan, que sufren , que sirven (lleva puesto un escapulario, que puede verse incluso como un mandil. ) Está en brazos de su Madre. El escapulario es signo de que es de su Madre , como señal de un amor de entrega incondicional . El mandil el servicio. Esta obra está dedicada como homenaje a todos los niños que sufren, que están en los hospitales, que son víctimas de las guerras, la carestías , víctimas de la violación a sus derechos humanos , los niños no nacidos, no amados, a los niños explotados. Más allá del triste panorama de los que sufren esta obra trata de reflejar a los héroes pequeños que luchan y que ganan para nuestro mundo lo que dan, dan amor. "Más bien porque es pequeña puede vencer, porque toda la fuerza está en la pequeñez". Jesús a la Sierva de Dios Luisa Piccarreta. Un grito silencioso, a la conciencia individual de cada uno y una paloma mensajera de paz de Esperanza en que " La Belleza salvará al mundo " Dostoiewski. Para dar a través de lo que va naciendo entre el agua, la luz y el color , un retrato de la Belleza. Los colores son como las cuerdas que forman al sonar..una melodía, colores que son la Bondad, el Amor, la Misericordia, la Belleza, la Sabiduría, la Justicia . Es la lucha por la Paz que se conquista en una mirada serena como un lago en montaña , como la huella que deja la espuma de una ola, o la gota de rocío en una granada que contiene los rubíes de la unidad de los pueblos, o las castañas que al fuego de la caridad quedan en cenizas sus espinas y dan el dulce fruto , como la tuna, como la rosa , como la lágrima de una paloma, o el silencio de un cordero. Pueda dar este pequeño servicio hecho con amor..como decía Vasilij Polenov. " Felicidad y Alegría".
¿El arte imita a la vida o la vida imita al arte? Bienvenidos a Lala. Esta obra sugiere al arte como mimo simbólico de la literalidad de vivir, en la medida en que los seres humanos mimetizamos la grandeza del arte desde nuestro surgimiento hasta nuestro perecer. En esta representación visual del camino de vida, cada elemento captura la conexión intrínseca entre la humanidad, el transcurrir del tiempo y la unión de todos con el conjunto. Es trascendente contemplar cada instante de nuestra existencia, pues a medida que fluye el todo continuo, la complejidad del relato en el que habitamos reafirma esta idea de concebir algo más. Así como en este preciso momento lees esto, tu corazón bombea, el espacio y el tiempo convergen, y la materia se transforma para siempre.
"No somos más que nuestro legado". Más que una pintura y/o una obra de arte; es un agradecimiento a la especie humana por la oporrunidad que me ha sido concedida de formar parte de ella. La composición pictrogràfica se encuentra conformada por 2 partes principales: en el espacio inferior el público podra encontrar ilustrada la narrativa del filósofo austriaco del siglo xix Friedrich Nietzsche, en su obra: "Así habló Zaratustra". El niño, cabe destacar, que es representado por: El principito de Antoine de Euxpery y el Ubermensch representado con la imagen de un montañista así como el plano designado al: "Uomo totale" (hombre total) el cual presenta un preliminar hacia la bicicleta voladora. Aludiendo obviamente a que si Leonardo da Vinci se encontrase vivo sin duda estaría dedicado en un proyecto de esa índole. La parte superior se conforma por un paisaje inspirado en las obras de José María Velasco y Gerardo Murillo ("Dr. Atl). Una luna al estilo de Vincent Van Gogh y un Quetzalcóatl el cual presento como hasta cierto en reflejo a mi personalidad (he ahí el que se vea un tanto gracioso. Todo ésto tallado a modo de grabado xilográfico sobre una superficie de mdf (fibracel) para después ser intervenidas con Acuarela, acrílicos, goauches y el tono tan especial del Rojo Atl en cuanto al óleo respecta. Antes que otra cosa quisiera agradecerles infinitamente por su atención y apoyo. Esperando que mi trabajo artístico sea nutritivo para ustedes. P.d gracias infinitas gracias
Surge a partir de planteamientos filosóficos basados en el transcurso del tiempo. En la pintura se ubica a un individuo sentado en un sillón representando el “aquí y ahora”, viendo proyectarse una escena de su pasado que metafóricamente tiene que ver con sus recuerdos y que le permiten tener consciencia de las causas y consecuencias en su presente, y que influyen de manera real en su existir. Proyectándose al futuro en un mundo abstracto de ideas y pensamientos en donde lo único seguro es trascender a partir de la muerte.
Para conocer quien somos primero hay que encontrarnos, y para encontrarnos hay que perdernos, pero cuidando de no perdernos en espíritu por las presiones de las normas de una sociedad, sino soltando lo que creemos que somos para comenzar a conocer quien somos verdaderamente. Cuando te conoces conectas contigo y con el resto de una manera sincera y madura en un proceso de cambio que solo para la muerte,
Texere Identitatis (Tejer Identidad) "Soy la dama tejida en el espejo. Me coso y me descoso. Me construyo y me destruyo. Los hilos que me componen son la corporeidad del tiempo, el espacio, la memoria, y la historia de un ser". La identidad funciona como un entretejido de memorias, historias, matrices culturales, familiares, colectivas y personales, donde podemos encontrar nuestra esencia a través de nuestra propia mirada enfrente del espejo, un avistamiento a nuestro inconsciente que podemos desconocer, mostrar u ocultar a través de mascaras. De igual manera podemos percibir y sentir una influencia externa que son manos exteriores que cosen partes de nosotros, ya sean de amigos, parejas, padres, madres, hermanas y hermanos, etc. Así nuestro cuerpo se vuelve un entretejido de experiencias del mundo y nuestra identidad personal.
Una tragedia predecible y devastadora, la tala de árboles, el elevado nivel de contaminación, la falta de lluvia, el aumento en las temperaturas y la precaria gestión del agua, condenan al país a una agonía de temporadas extremas, secas y calurosas que se vuelven más intensas año con año generando una estela de daños económicos pero principalmente sociales, donde la integridad y la vida de las clases menos favorecidas se sumergen a un cambio sin precedente del cual pareciera no haber vuelta atrás.
Nuestros dos personajes son dos perros blancos que en este momento capturado se disponen a beber de una corriente de agua simbolizando la limpieza de todo mal y la pureza con la que están siendo bañados, tanto de la luz y el color como del liquido purificador, en un acto tan noble y tan natural como lo es el beber.
Cuando llega ese momento en que nuestros seres amados deben partir, una parte de nosotros se va con ellos, pero también algo se nos queda, aquellas experiencias y alegrías pasadas importantes para nosotros, pensar que tal vez en algún lugar fuera de nuestro entendimiento nos esperan con ansia para volver a encontrarnos con esa misma alegría que nos dejaron, nos da aquella dulce esperanza de que, quizá, no nos quedaremos solo con un Recuerdo del ayer.
Sanación 50x40 cm En la obra se encuentra el equilibrio y la unión entre un alma que representa la luna y el frío del anochecer, otra que representa al sol y el calor del día; ambas nos invitan a apreciarlas cada día para poder sanarnos en su compañía. El fuego es la destrucción de todo lo malo y el calor del cariño más puro que abrirá paso a nuevas oportunidades. Las mariposas representan a todos los que ya no nos acompañan en vida pero que siguen presentes en nuestros recuerdos y nos dan un poco más de luz y fortaleza. Por último, las ramas de eucalipto y el maguey nos recuerdan la infinita sabiduría de la naturaleza para sanar el cuerpo y el alma.
Mi intención fue crear una obra que transmitiera una metáfora sobre el sufrimiento de los animales en los laboratorios. El conejo representa a los animales que comúnmente son utilizados en estos experimentos, mientras que el mar en la fría noche simboliza el entorno hostil en donde deben sobrevivir. El conejo saltando de un producto a otro para evitar ahogarse demuestra su resistencia y adaptación de estos animales a las pruebas que son sometidos. Además, el hundimiento de los productos bajo el peso del conejo resalta la fragilidad y dificultad de su situación. Finalmente, el reflejo de su cráneo en el espejo simboliza la inevitabilidad de su muerte. Entiendo que sin la experimentacion, no tendriamos los avances medicos actuales, pero podriamos empezar por cuidar nuestra salud, o comprar productos que no testen en animales
Los pájaros, esos mensajeros del chisme, vuelan alrededor, llevando consigo fragmentos de una verdad que ha sido distorsionados por ellos mismo por puro aburrimiento. Con un palo en mano, mi mirada es seria y penetrante, enfrentando la luz del sol que ilumina sin misericordia. No hay sombra en la que pueda esconderme; la verdad, en su forma más cruda, me obliga a revelarme. Esta luz no solo me expone, sino que también delata mis verdaderas intenciones: eliminar a esos pájaros, desterrar los rumores que han intentado definirme.
Los mismos ojos te miran, las mismas manos te toman de forma posesiva y la misma voz insatisfecha te reclama. Aún ausente, no eres suficiente y aún así no quiere perderte. Ya no está, ya no está, pero permanece como un fantasma dentro de ti. Será que ese hombre por fin logró ser inmortal gracias a ti.
Asomarse y contemplar el mundo desde ventanas virtuales se ha vuelto una práctica bastante común en nuestra sociedad actual. Paisajes, objetos, actividades, etc., vistos y realizados por alguien más nos ofrecen una visión del mundo bastante idealizada, la cual nos motiva a emular dichas prácticas dejando de lado la interacción directa con nuestro entorno y experimentándola a través de una pantalla que baña con cientos de filtros nuestra mirada, manteniéndonos así, en una especie de trance minuciosamente planificado por un algoritmo.
A. L. Armoniosa Literalmente. Hay un caos en medio de trazos ataviados de paralelismo cromático, la idea es inventar un estallido de catarsis en el manejo de la espátula bajo la armonía y belleza de esta modelo; como si resurgiera en medio de una erupción, con alas de fuego, con paz de mujer, roce de obscuridad y luz para su piel. Armoniosa Literalmente, una búsqueda de armonía en medio de tanto caos con solo trazos libre en una pintura, todo un escape para el artista.
Esta obra es una sátira al sistema médico corrupto y negligente. En esta composición, se muestra en escena una intervención quirúrgica en la que, entre instrumentos médicos de juguete colocados de manera absurda y un rosario que respalda la fe de miles de pacientes que se aferran a una esperanza divina, trato de plasmar de manera contundente la realidad de la negligencia médica que existe en los quirófanos a manos de médicos que han robado al milagro de la vida. La ironía es que no nos vamos, nos llevan; nadie quiere irse, pero se los llevan.
El Juego de la conquista es una obra, que representa el manejo mediático que se da de los conflictos bélicos en medio oriente y en otras partes del mundo donde se plantea una visión maniquea de los conflictos, donde hay buenos y malos, glorificando las guerras emprendidas contra un enemigo maligno que debe ser eliminado, cuando en el fondo se trata de guerras de conquista y despojo
Vivo con el miedo constante de que la vida se pueda acabar en cualquier momento (realmente no se de donde surge este miedo), por eso desde la soledad y tranquilidad que ofrece el arte, quisiera pintar durante lo que me resta de vida.
Pieza inspirada en el poema "el tigre" de Eduardo Lizalde "Hay un tigre en la casa que desgarra por dentro al que lo mira. Y sólo tiene zarpas para el que lo espía, y sólo puede herir por dentro, y es enorme: más largo y más pesado que otros gatos gordos y carniceros pestíferos de su especie, y pierde la cabeza con facilidad, huele la sangre aun a través del vidrio, percibe el miedo desde la cocina y a pesar de las puertas más robustas." (fragmento)
La cultura maya floreció entre el siglo 900 al 1200 D.C. Fue una de las culturas más importantes de Mesoamerica por todos los conocimientos que dejaron en su tiempo. Unos de los elementos mas emblematicos de su cosmovision fueron los Cenotes, verdaderas maravillas naturales que estan intrínsecamente ligadas a la vida y la espiritualidad. Fuentes de agua purificada que para ellos aparte de ser cuerpos de agua, eran considerados puertas de entrada al inframundo, los mayas no creian en el infierno ni el cielo, sino veian a la muerte como la transicion espiritual, y los cenotes eran vistos como portales espirituales que conectaban el mundo terrenal con el espiritual. En ellos los sacerdotes se bañaban para purificarse, tenian la conviccion de que cuando se hacia algun sacrificio humano que para ellos era un privilegio, la sangre de los mejores guerreros y de las mujeres mas valiosas, era regada en sus sembradios, el agua que caia se filtraba por la tierra, y tanto esta sangre como la de los sacrificios iba al inframundo, en donde se purificaba y emergia por las raices de su árbol sagrado, La Ceiba, para reencontrarse con sus dioses. Asi en esta pintura he querido representar esa increible transicion.
Es difícil para mi escribir sobre el significado de esta obra, probablemente más de lo que fue el finalmente sacarla de mi mente. Verán, esta imagen tomó forma en mi imaginación desde hace un tiempo cuando me enteré de la existencia de una obra publicada en el 2005, pero del que yo apenas tuve conocimiento hace unos dos años. Está escrito por la periodista mexicana Lydia Cacho “Los Demonios del Edén”; libro que expone la red de corrupción que protege el abuso sexual de menores en México por parte de famosos empresarios y funcionarios públicos. No tuve el corazón para leerlo, tal vez algún día lo haga…, pero de ahí deriva el nombre de mi pintura. El diablo principal se encuentra de cuclillas sobre un maletín lleno de dinero, el cual fue su “recompensa” por los niños (representados por Leles y Panchitos), los cuales se aferran a estos hilos verdes que para ellos representan vida, y para los diablos sólo representan dinero sucio. En el fondo se perciben más diablos esperando su turno para entregar más almas inocentes en las garras de estos monstruos. Yo tenía temor a por fin pintarla debido a la polémica y a la sensibilidad de este tema que tanto me afecta anímicamente. Intenté dejarla atrás y, ni siquiera la pasé a mi libreta de bocetos. Con el tiempo, el algoritmo en las redes sociales se fue haciendo cargo de que no olvidara esta idea. Cada vez me aparecían más videos de personas que se dedican a rescatar a niñas y niños víctimas del abuso. Fue por eso mismo que al fin me decidí a hacerlo, porque es mucho más importante seguir hablando sobre esto para que se haga conciencia sobre esta realidad en una época en la que las infancias están más expuestas que nunca.
"La cena" es parte de una escena representativa tradicional de las costumbres actuales que hay en torno a una carne asada, el asador y un festejo que alude a la decoración flotante. Me interesa mostrar el reflejo de una mirada actual que muestra el preludio cuando están a punto de llegar las personas, el proceso de "tomar ambiente" y reunirse en la mesa que a su vez me remite al antiguo “mitote" del norte, que ahora se convierte a una celebración con el fuego del asador, convivencia, música, buena comida y buenos deseos.
Dicen que la vida se va muy rápido, y así también las especies. Es importante conocer nuestra biodiversidad, que forma parte de nuestra identidad, y reconocer las especies en peligro de extinción, para concientizar sobre la preservación y protección de la naturaleza. A través del arte quiero expresar el amor por la naturaleza, como una forma de experiencia de conexión con lo natural. Miedo a la extinción, es una obra de óleo representativa de la extinción de especies de animales y de la gran biodiversidad en México. En la obra, la línea media que divide en dos la imagen, representa la ruptura como el peligro de desaparición de varias especies mexicanas. Representación de 5 animales endémicos de México y en peligro de extinción: Tecolote tamaulipeco (Glaucidium sanchezi), Cara con expresión del miedo a la extinción Jaguar (Panthera onca), Cuerpo Loro tamaulipeco (Amazona viridigenalis), Alas Mapache de Cozumel (Procyon pygmaeus), Cola Ajolote de Xochimilco (Ambystoma mexicanum), Branquias
El EGO Y LA INTUICIÓN, Muchas veces al tomar una decisión en la vida nos vemos en un enigma eligiendo lo que dice nuestro corazón o la mente, lo que dice el Ego y lo que dice la intuición. En esta obra tenemos el Ego como un Jaguar y por el otro lado tenemos la Intuición representado por un Águila, los dos tienen habilidades únicas, pero pueden llegar a un acuerdo si así lo deciden, enfocando su energía en lo que quieren lograr juntos.
La pieza aborda la masculinidad desde una perspectiva personal, contrastando la delicadeza de un velo con la rigidez de un árbol espinoso que produce frutos. Renunciar a los cánones tradicionales y adoptar la vulnerabilidad, aunque resulte en una identidad más genuina, simbolizado por los frutos,, conlleva el dolor de la alienación y el acoso, simbolizados por las espinas.
"Es cierto que quien mira en el espejo del agua, ve ante todo su propia imagen. El que va hacia sí mismo corre el riesgo de encontrarse consigo mismo. El espejo no favorece, muestra con fidelidad la figura que en él se mira, nos hace ver ese rostro que nunca mostramos al mundo porque lo cubrimos con la persona, la máscara. El encuentro consigo mismo es una de las cosas más desagradables y el hombre lo evita en tanto puede proyectar todo lo negativo sobre su mundo circundante". Dr. Carl Gustav Jung; las líneas que inspiraron esta obra.
«Hasta Que Nuestra Luz Se Apague» subraya la naturaleza finita de la vida y la urgencia de descubrir el propio propósito antes de que se acabe el tiempo. Los duraznos, maduros y resplandecientes bajo la luz del sol, simbolizan los frutos de la vida—oportunidades, sueños, pero permanecen fuera de alcance, ilustrando la distancia entre el deseo y la realidad. Esto puede verse como una metáfora de los desafíos sociales que requieren esfuerzo y acción para ser resueltos. ¿Cuáles son los duraznos en su vida? ¿Están alcanzándolos o los están dejando escapar?
Como artista considero que tenemos una responsabilidad social de hablar a través de nuestras obras y visibilizar problemáticas de nuestro contexto histórico. Se vive en el mundo y en gran medida en Latinoamérica un abuso de poder desmedido en la política y los gobernantes, quienes han decidido pasar a través del pueblo para velar por sus propios intereses oprimiendo a quien se atraviese en su camino a la cima. Mi obra exhibe esta escalera de personas de forma explícita, en una composición que muestra en la base al pueblo inconforme a punto de explotar a causa de la injusticia e inconformidad de los políticos que compiten y conspiran para escalar entre ellos en busca de subir en una jerarquía de poder oscura y turbia. Los personajes lucen físicamente deformes y sombríos representando la sociopatía que deshumaniza constantemente su ser. Entre detalles realistas y símbolos más crípticos que enriquecen mi concepto, presento una especie de homenaje a los muralistas clásicos del país, pero en una versión comprimida y moderna que se adecua a mi estilo y visión particular del momento que vive el país actualmente.
Los huracanes nos traen agua en abundancia, nos traen el recordatorio de que lo material se puede ir en cualquier momento, que lo más importante es la vida , y sobre todo que la naturaleza es tan poderosa que bien puede dar como arrebatar, La mujer del cuadro ofrenda sus flores a Chac , agradeciendo el agua y reconociendo su fragilidad.
La obra pretende invitar al espectador a reflexionar sobre la disonancia entre la apariencia de una sociedad civilizada y la violenta realidad en la que vivimos. Este cuadro busca llamar la atención sobre la necesidad de justicia como medio indispensable para el desarrollo de la sensibilidad humana, porque nadie puede detenerse en la contemplación del arte mientras lucha por salvar la vida.
Solamente el corazón de un niño, con su imaginación y la magia de la fuerza, poder, fiereza de un dinosaurio puede reconfigurar al mundo, cuidando y protegiendolo de los adultos rapaces y malignos que anteponen sus intereses ecónomicos y de poder. Bajo sus pies la roca negra y expulsando al capitalismo salvaje que pone en riesgo la paz y futuro del mundo.
Yo era gris como el concreto del lugar donde crecí Feliz, puesto que era lo único que conocía Migré y en ese movimiento el concreto se fracturó Ahora cada vez que regreso, más me ubico en el desconcierto El gris que antes me constituyó completo, se ha teñido, entremezclandose con el azul marino y cielo Por las grietas de mi cuerpo se asoman verdes brotes Cómo una estructura invadida que cambió sus simientos por nuevas raíces.
Esta pieza es un homenaje a todos los pueblos originarios de México que orgullosamente conservan su lengua materna y cosmovisión a través de sus cuentos, tradiciones, usos y costumbres. Hace 3 años tuve la oportunidad de vivir el año nuevo Seri en la comunidad de Punta Chueca en Sonora, esta tradición se festeja a finales del mes de Junio en la cual se agradece por el milagro de la vida que nace con la temporada de lluvias. Quede impactado de la riqueza y orgullo cultural que la autodenominada naciòn Comca'ac comparte con todos los visitantes. En la composición de esta obra podemos contemplar elementos muy importantes para los comca'ac. Al fondo entre la bruma del mar podemos ver una cordillera perteneciente a la Isla mas grande de México, la isla Tiburón, antiguo hogar de los naciòn repleto de cuentos e historias que nutren su identidad cultural. Uno de esos cuentos de tradición menciona la aparición de gigantes en la isla. En el siguiente plano podemos contemplar algunas Pangas flotando en el mar de Cortez. El mar es muy venerado por habitantes de la naciòn Comca'ac, este ha sido su mayor fuente de alimentos durante siglos y hoy en día la pesca tradicional y submarina es la actividad económica mas importante. Sobre una panga encallada en la playa 3 jóvenes contemplan la Isla tiburón y uno de ellos la señala haciéndoles notar algo en la lejanía a los otros dos. En primer plano podemos ver a una joven portando el traje típico Comca'ac y usando el maquillaje ceremonial del año nuevo, en su mano izquierda carga un libro con una portada repleta de astros nocturnos. Este libro representa el conocimiento y sabiduría que bajo el hermoso manto estelar que solo el desierto nos puede brindar, aguarda en Punta Chueca y cada uno de sus habitantes. En su mano derecha se desliza una serpiente marina, animal representativo de la zona y símbolo universal de la medicina. Punta Chueca es reconocida en varias partes del mundo por sus inusuales practicas de sanación a través del uso de plantas, animales y cantos sagrados que los curanderos de la zona comparten con los visitantes. Actualmente las 68 leguas originaras que aun sobreviven en México se encuentran en peligro de desaparecer, la principal causa de este problema sigue siendo la discriminación. "Los gigantes de la Isla tiburón" nos invita a conocer y reflexionar sobre la enorme riqueza y belleza multicultural que México tiene. Ya es hora de despertar, de sentirnos orgullosos y amar nuestro paìs, pues no se puede amar lo que no se conoce.
Inspirado en la muerte de Jean Baptiste Grenoulle del libro el perfume. El cual es devorado debido al perfume que incita al amor, la posesión y el deseo. Partiendo de este punto el cuadro toma como concepto el deseo, investigando llegue a la conclusión de que una persona es capaz de hacer hasta lo imposible por obtener lo que desea ya sea moral o inmoral. En la composición, el principal es un hombre que es el objeto de deseo, el cual se entrega mostrando desesperación y las manos aferrándose a el con deseo y delicadeza
Hace aproximadamente un año comencé a trabajar en una obra de construcción, desde entonces he procurado nutrirme de imágenes de dicho lugar para atenderlas desde la pintura. Trabajar en la obra no sólo ha implicado tener acceso a escenarios peculiares, también ha significado participar de lo que parecen “rituales” propios de la construcción, como por ejemplo, el "escombrar” o retiro de cascajo, que es una de las actividades que más desgaste y esfuerzo físico suponen. La pintura en cuestión representa el momento en que un trabajador de la construcción levanta cascajo para transportarlo sobre sus hombros, el título alude al mito griego de Atlas, quien según dicha mitología, fue condenado a sostener el peso de los cielos por la eternidad, años después, la imagen del titán se transfiguró por la de un hombre robusto que sostiene el mundo sobre su cabeza y espalda. Reinterpretando esta última imagen de Atlas, presento mi versión contemporánea del mismo: la figura de un hombre vestido de obrero, que intenta equilibrarse mientras avanza hacia la izquierda con una pesada carga sobre su hombro, la cual sujeta con sus manos enrojecidas por el sol y por la sangre hervida; con uno de sus pies cubierto de cuero y goma oprime al suelo pedregoso, con el otro lo desata del castigo; su cuerpo comprimido libera una sombra que parece fugarse de su impulso, como si el cuerpo empujará hacia adelante, pero el anima quisiera tomar otra dirección. En ese sentido, Atlas sosteniendo al mundo es una interpretación poética del acto de cargar, así como del esfuerzo y resistencia que conlleva el “trabajo pesado”. También es un homenaje a las personas que para mí se han convertido en símbolos de resistencia y soporte, mis hermanos y compañeros de trabajo.
El caos como metáfora de la ira, la destrucción en el entorno envuelve una figura dominada por la rabia, los músculos y la expresión facial revelan la naturaleza de la escena, un grito de dolor emanado de la furia, los tatuajes del personaje narran historias por si mismos, la lucha, la perdida y la rabia son constantes conceptos cercanos a todos en el mundo actual, esta obra explora la relación del ser humano con un mundo en llamas.
"El hijo de la Chingada" es una obra que aborda la tipificación del Mexicano a través de su comportamiento sociocultural. Esta obra contempla tres grandes sectores de la sociedad mexicana, la abusiva, la activa y la pasiva, las cuales están en tres personajes y algunos elementos simbólicos. Una crítica del mexicano al mexicano creada a partir de una alegoría a San Judas Tadeo,
"El Llanto Taciturno de la Plañidera" es mi homenaje a la melancolía silenciosa y al profundo dolor que a menudo queda oculto detrás de una figura que llora en silencio. En esta obra al óleo, quise capturar la esencia de una plañidera, envuelta en sombras y con una expresión de sufrimiento contenido. A través de pinceladas suaves pero cargadas de emoción, mi intención fue rendir tributo a la tradición de las plañideras, aquellas mujeres que expresaban el duelo en funerales, mientras su lamento se volvía tanto público como íntimo. Me concentré en transmitir no solo el acto de llorar, sino también el aislamiento del dolor silencioso, ese que pocos llegan a entender. Utilicé una paleta de colores oscuros y terrosos para crear una atmósfera que invita a la reflexión sobre la pérdida, la soledad y las formas culturales de expresar el sufrimiento. Con esta obra, busqué no solo mostrar el llanto, sino también ese lamento interno que muchas veces llevamos en el alma.
La peña de Bernal , el 3er monolito más grande del mundo. Piedra emblemática del pueblo queretano y de México. Trate de imprimir pasado y presente , amanecer y atardecer., el paso del tiempo. Transmitir lo que muchos buscan cuando suben esta gran piedra. Energía! Frescura, frío y calor. Todo lo que se experimenta cuando visitas, y subes esta gran piedra en 1 solo día!
Cipatli, es parte del primer grupo del Tonalpohualli, es el estado más primitivo, puro y sobre todo el estado inicial. El contexto en el que desarrolle este trabajo fue a partir de la pregunta, "¿Qué fue primero, la gallina o el huevo?", si bien es obvio que se necesita de un vientre para crear nueva vida es necesaria la contraparte masculina, y esto me llevo a otra pregunta, ¿Qué fue primero, la mujer o el hombre? si para referirnos a la tierra la llamamos madre tierra, ¿habrá sido la mujer? Con parte de este contexto, cree a una figura femenina, ya que es nuestro comienzo, necesitamos de dos seres para existir, pero recae más peso en el lado femenino a la hora de traer una nueva vida al mundo, nuestra vida trascurre y convivimos con los alrededores de nuestro mundo, lo más primitivo, la naturaleza; perecemos en nuestro estado físico, y este se convierte en polvo de estrellas; ya que la materia no se destruye, solo se transforma.
Deleuze en su libro "El Concepto del Diagrama" menciona que el pintor siempre esta en la búsqueda de "algo", eso que lo distinga entre otros pintores y cuando lo llega a encontrar, cae en el cliché, en su cliché y a partir de ahí todo lo que pinta es un cliché de aquel pintor. Considero que he encontrado aquello que me identifica, mi "Lenguaje Pictórico"; así que quise pintar mis clichés por mis clichés, usando las imágenes de referencia que alguna vez utilice para realizar mis piezas y llevándolas a la pintura.
“Madre” es una reinterpretación de la icónica escultura “La Piedad” de Miguel Ángel, 1948, en la que se traslada su profunda carga emocional a la contemporaneidad y a la desgarradora realidad de las madres buscadoras en México. En esta obra destaco tanto la fortaleza como la vulnerabilidad de la madre doliente, representando su resistencia y su dolor; rindiendo homenaje a estas mujeres valientes y cuestionando la indeferencia de la sociedad y gobiernos frente a su lucha. En este sentido, la pintura no solo es una reflexión artística, sino un grito de urgencia que demanda visibilidad y apoyo para las madres que, en su inalcanzable búsqueda, encarnan una nueva piedad hacia sus seres queridos desaparecidos.
Es una obra que captura la esencia de la vida yucateca a través de la mirada contemplativa de mi abuelita. Sentada con serenidad sobre una mesa de madera, ella lleva puesto su huipil tradicional, un símbolo de nuestra cultura y de las profundas raíces que nos unen a Yucatán. Cada elemento en la pintura tiene un significado especial. La jícara con chocolate a su izquierda y la canasta tejida con pan a su derecha representan no solo objetos cotidianos, sino también el legado de nuestras tradiciones y costumbres. Estos detalles evocan recuerdos de momentos compartidos, de historias contadas alrededor de la mesa. El colibrí, con sus tonos verdes y púrpuras, es más que un simple detalle en la escena; para mí, simboliza la libertad, la espiritualidad y la conexión con lo divino. Al volar cerca de la esquina superior izquierda, parece acompañar la mirada de mi abuelita, guiándola hacia un instante de introspección y tranquilidad. El fondo, que muestra una casa de paja yucateca con paredes de palos de madera, no solo enmarca esta escena, sino que también refuerza el sentido de hogar y pertenencia. Es un homenaje a nuestras raíces y a los recuerdos que mantenemos vivos, aquellos que trascienden el tiempo y se transmiten de generación en generación.
No existe un amor más puro y cálido que el que se puede recibir de un perrito rescatado. El agradecimiento, de estos hermosos seres, que sin importar las etiquetas preconcebidas, de tamaños, “razas”, y demás estereotipos imaginarios, dan su amor incondicional a quienes ellos pueden considerar sus humanos, nos alegran, nos llenan de amor y esperanza. "Rescatados" es una obra que prentede recordarnos que si ellos pueden confiar en nuestra humanidad, nosotros aún lo podemos hacer.
Esta obra habla de la relación que se tiene con los dispositivos móviles que si bien tienen la posibilidad de conectar a las personas, estos nos han plagado de indiferencia, soledad y vacío, a pesar de todo aún puede cambiar el rumbo de esta realidad a través de la reflexión sobre uno mismo.
Esta obra refleja la fusión entre lo tradicional y lo contemporáneo en la cultura mexicana. Inspirado por la vida urbana de la Ciudad de México, utilicé fragmentos de propaganda recolectados de las calles para crear un collage que simboliza la actualidad efímera que nos rodea. En el centro, las máscaras de Blue Demon y El Santo simbolos icónicos de la rica tradición mexicana, integrada con los elementos modernos para mostrar cómo el pasado y el presente coexisten en nuestra identidad cultural, invito al espectador a explorar cómo la historia nos ha influenciado hasta la actualidad y cómo estas influencias se reflejan y se entrelazan en nuestro entorno diario.
El Uróboros es un símbolo antiguo que habla de los ciclos infinitos, las luchas eternas, y los patrones; se representa a través de una serpiente que devora su propia cola. Esta obra encarna aquella lucha entre lo que se cree inevitable y la voluntad por romper los ciclos que habitan en nuestra realidad. En medio de esta lucha, siempre encuentras algunas manos extendidas, pero no para ofrecer ayuda, sino para impedir violentamente que salgas del bucle. Las ‘’manos’’ que te limitan pueden tener distintos nombres: circunstancias, contexto socio-económico, condición física o mental, entre otros. Sin embargo, siempre se guarda una esperanza en aquellos que tratan cada día de alcanzar a la serpiente para evitar que siga mordiendo su propia cola, y así, romper el patrón.
En este trabajo hay una mujer que descompuso todos los rincones de mi zona de confort. Aseveró cada guerra que hay que pelear y la fragilidad de ser magnánimos juntos ante cualquier reto. Ella es descabellada amazona. Complementa mi parte guerrera y mi santa paz. Lleva alas de polilla si es preciso, hechiza los cielos que hay que volar con ojos rasgados y pequeños. Su nombre es Nuky, como la onomatopeya de mi Nena cazadora, esa que pudo adormecer al monstruo de mi pecho y derribar cualquier acorazado que surque los cielos de todas mis vidas.
“En la cima del ensueño” es una pintura que trabaja con el mundo onírico, aquel que permite la plena libertad, donde es posible realizar cualquier búsqueda o anhelo, un viaje que es acompañado por mariposas azules, símbolo de transformación y esperanza, pero también de la contemplación de los misterios que se ocultan lejos de nuestra mirada.
Considero sumamente importante cuidar la salud mental que a veces se ve afectada debido a circunstancias, comentarios, incluso por nosotros mismos al hacernos una idea completamente errónea de nuestro ser. Quisiera recordar(me) con esta obra que soy más que un cuerpo, que no es mi culpa que la sociedad tenga ciertos estereotipos y que no podré cumplir con cada uno de ellos...y eso está bien. No hay nada malo en mi, ni en ti, que estás leyendo esto. Disfruta, vive, crea, ámate, cuídate estamos aquí para ofrecer más que sólo un cuerpo.
La ardua lucha y búsqueda de significado y propósito por los que transcurre nuestra alma se plasma en la obra. Siendo el árido desierto un lugar metafórico y físico de la búsqueda y exploración de nuestra moralidad, mortalidad y propósito, el lugar de nuestra muerte e iluminación, simbólicamente. Y tomando en cuenta el simbolismo espiritual de la composición triangular, se divide la escena en cuatro cuadrantes únicos pero unidos entre sí por el cráneo, simbolizando la dualidad de la vida misma y rodeado de simbolismos tales como el tiempo, el dolor, el conocimiento y el amor, por los abuelos, como se le conoce coloquialmente a los peyotes. La dualidad del ser, su oscuridad y consciencia, sus dilemas morales y espirituales así como su pecaminosidad, son representados en la serpiente, el matorral seco y las piedras. Todo esto como medio para alcanzar la iluminación, representada en el espíritu de una polilla. Una oda a la vida.
Otro calvario retrata las tradiciones perdidas de los rituales religiosos que se van perdiendo relevancia en nuestra actualidad. Retome una fotografia antigua que tenia mi madre en su acervo de fotos del dia de la primera comunion de mis tios, me llamo la atencion esta imagen por las vestimentas y los rostros que se encontraban de fondo, pareciendo espectros entre esta ceremonia, reflexionando sobre si fueron o si ya son, en realidad, fantasmas capturados en un momento, personas que se van perdiendo al paso del tiempo, creciendo y transformandose como dichas tradiciones que parecen estar perdidas.
Quién mira hacia dentro despierta, es una obra que busca significar el proceso de autoconocimiento, este normalmente se encuentra ausente en la mayoría de nosotros en algún punto de nuestras vidas y se ve eclipsado por la idea que construimos de quienes somos, donde procuramos únicamente tomar y mostrar nuestras virtudes, sin embargo olvidamos que no solo lo benigno es lo que nos constituye.
Desde los más grandes deseos de la mujer, la de una profesa metamorfosis. La representación de ellas como hogar y refugio de un periodo de arropamiento. La fertilización a través del teñido carmín del velo que cubre su cuerpo. El contacto del agua cálida y su transparencia para unificar dos posibles templanzas corporales. En ella, se abren las alas de una mariposa negra que simboliza la esperanza y el futuro, que llegaría a remontar junto a su descendiente la aventura a través del tiempo. El gesto sutil y aterciopelado que emana de su sonrisa cada que se manifiesta como un suave planeo de una mariposa que llega sobre su cobijo. Es el sueño… es el anhelo de un ser.
En esta pieza me dejó llevar por el movimiento de las grandes hojas, con unos colores ricos y vibrantes. Dónde sea que estemos hemos bailado danza, en el cual tenemos la necesidad de expresar nuestras más puras emociones. De este modo está acuarela impacta en el corazón de todos aquellos enamorados.
El gran gigante tropical, una Ballena jorobada fantástica llena de vida y colores, nadando en un campo de Pensamientos, disfrutando de su existencia en el mundo del arte. Conocer la naturaeza y expresarla a traves del arte nos permite entrar en en mundo de colores, texturas y dimensiones que llenan el espacio, nuestro espacio, nuestra mente y nuestra vida.
Con este detalle de la pieza me gustaría hablar de lo que realmente significa, soy diagnosticado con ansiedad y depresión. Con esta pieza quiero mostrar como el ser humano se siente al momento que llega ese terrible monstruo(representado como una araña). Para mi ha sido un proceso difícil aceptarlo, pero con la ayuda de un especialista, vas viendo la luz y se vuelve muy llevadero, Creo es necesario que hablemos de estos temas y considero importante que un concurso con un renombre tan grande como lo este proyecto, es necesario que se hablen estos temas y se pongan en la mesa. Me siento agradecido y feliz de poder hablar atreves de la pintura, ya que se vuelve liberador y considero que si a una persona le llega el mensaje, con eso siento que lo logré. Gracias :)
Esta pintura simboliza una reflexión que contrapone lo "humano-instintivo" con "lo divino", en función con la naturaleza y la cultura como constructos que se desarrollan en diferentes contextos específicos y que están en constante cambio como resultado de una práctica discursiva y social que no pueden ser comprendidas como entidades absolutas.
Philtrum captura un momento específico de mi infancia en donde se combinan olores, sabores y texturas que rescato de mi memoria. Los elementos tienen un simbolismo de variadas referencias. La cabeza del pescado representa la fuente de ideas que es nutrida por el cuidado materno, estas se filtran y derraman en la cuchara para ser incubadas, el néctar atrae a la abeja motivada por la curiosidad, representando la evaluación de las posibilidades infinitas. El llavero es un recordatorio que todo lo que nos rodea puede ser una fuente de inspiración.
La leyenda del hilo rojo es una leyenda muy popular de la cultura oriental, la cual dice: “un hilo rojo invisible conecta a aquellos que están destinados a encontrarse”. Hice una reinterpretación del dios del amor de la mitología romana Cupido, poniéndolo en un contraste irónico, en lugar de ser el encargado de unir a las personas con el hilo rojo, él mismo corta su propio hilo porque no encuentra esa conexión con nadie. Este contraste añade una dimensión interesante y compleja a la figura de Cupido, sugiriendo una especie de tragedia personal en su rol como dios del amor.
Chan es una mujer residente del estado de Yucatan, elabora lamparas de yute para posteriormente venderlas afuera de su hogar, sin embargo personas llegan a preguntar por el precio , los comerciantes le dicen "cuanto es lo menos" , ella sonrrie , escucha y responende ... no hay menos ! cuando yo lo doy todo en la creacion de mis lamparas. ellos sin ninguna expresion en su rostro, se van. Los comerciantes llegan a otro lugar y tal vez vuelvan a preguntar "cuanto es lo menos".
El sacrificio, es una pieza pictórica que muestra a una persona en actitud natural, desenfadad y casi cotidiana, llevando un cordero amarrado para ser sacrificado, En contraste se muestra de fondo una ciudad en ruinas, por la destrucción causada por una guerra que justifica y valida el horror y la atrocidad como una respuesta lógica y natural.
En un rincón de las hermosas playas de Veracruz me encontré con esta trágica escena, un ex museo flotante abandonado, inundado y corroído por la arena, el cual quedó atracado por su inactividad durante la pandemia mundial del COVID-19 y por la falta de atención y mantenimiento del gobierno del municipio. La historia de este buque nace en 1932 cuando la secretaria de Guerra y Marina del gobierno del estado firmo un acuerdo con la embajada de España en el cual se establecía que México mandaría a construir 15 buques en astilleros españoles, en junio de 1934 el cañonero de Guanajuato (nombre de este buque) fue botado a la mar y se incorporó a la armada de México, este buque también fue participe de los juegos olímpicos en 1968 cuando México fue sede. Esta pintura es para no dejarlo en el olvido, y hace referencia a la muerte de la cultura en México debido al descuido de nuestros gobiernos que le dan la espalda al arte. Para mi interpretación teñí el cielo de tonalidades rojizas dándole un poco de dramatismo a la escena, representando el fin de este buque histórico, que cerró sus puertas sin ser rescatado y lo único que quedaba sobre el, era un espantapájaros sentado sobre la orilla, una escena que representa el apocalipsis del arte en México.
El color es una forma de experimentar el mundo y quiero hablar de ello desde una celebración ocupando las imágenes de algunas situaciones como el reflejo, el arcoiris y el halo, hablando también desde la inocencia animal por la que la percibimos, y del constructo social por la cual también se reconoce, por ello el Sol con su halo convive al interior con un globo de estrella metálica. En esta pintura me interesa las lecturas de la luz y el color y su descomposición como una representación de lo diverso.
Esta imagen para mi representa lo que la pintura es para mi. Cuando me siento mas como yo misma es al estar pintando en mi recamara. Ha sido toda una experiencia ver lo que he podido lograr haciendo lo que mas me gusta con muchos años de practica. Yo se que me falta mucho por aprender aun y que aun puedo mejorar algunas cosas, y es algo que me motiva a seguir.
Es una serie de cuadros en los cuales yo soy el retratado, para que no se me olvide quien soy o como soy. Si bien diariamente nos levantamos a vernos al espejo recién despiertos ya sea para lavarnos la cara, arreglarnos para ir a la escuela o el trabajo, y de vez en cuando nos sentimos "bellos" para una sesión de selfis y subirlas a nuestras redes sociales con la intención de recibir piropos, halagos, o simplemente un "me encanta" , de dicha sesión en dónde podemos tomarnos 100 fotos, solemos escoger de 1 a 5 fotos(lo bueno que nos sentimos "bellos") muchas de esas “selfis” seleccionadas para subirlas a nuestros perfiles de redes sociales, muestran un ángulo de nosotros en el cual de cierta forma nos hace ver mejor, pocas son aquellas fotos en las cuales no nos atrevemos a subir por inseguridad de nuestro cuerpo o rostro. En este cuadro me muestro en un ángulo poco convencional en dónde no trato de "verme bien" ni de posar de la mejor manera, sino que simplemente ese soy yo.
Un simulacro es una construcción artificial que sustituye lo real, pero de manera tan convincente que se convierte en la nueva realidad. En el contexto de la pintura, "Simulacro del Ser" sugiere que el híbrido entre la caja de cartón (el consumismo) y el torso femenino (lo humano) ya no es auténticamente humano, es una versión distorsionada y vacía del individuo, que ha sido reemplazada por un "simulacro" que destaca la transformación de la humanidad en una construcción ficticia, ya siendo un solo ente.
Esa noche llegué solo y destrozado, no quería saber ni sentir nada, quería dormir, no me percate de cuantas gotas del medicamento vertí en el agua del té que prepare; lo bebí y ya no supe más. Me desperté porque empecé a sentir mucho calor, el piso donde quedé dormido ardía, era el pavimento de una calle y ya era medio día ¡que sorpresa! estaba frente a la que fue mi casa en mi juventud pasada donde fui muy feliz. Su estructura ya daba la forma final pero aún era obra negra y parecía no haber nadie adentro; recorrí la planta baja entre tierra, costales de cemento y ladrillos. Como autómata decidí subir a al segundo piso donde se encontraban los dormitorios que veía que todavía no les colocaban las puertas, el único que estaba intacto como lo recuerdo era mi habitación, mi cama, los cuadros en la pared, mis juguetes, todo en su lugar, pero percibía el aroma de cuando hacían el aseo, “lo que siempre has buscado está en el cuarto de Clara” escuche mientras trapeaba el piso la muchacha que nos ayudaba en aquel entonces, Me dirigí a la recamara de mi hermana al fondo del pasillo y noté que si tenía puerta. Cuando abro la puerta me encontraba en un lugar desconocido, parecía el interior de un mercado viejo y abandonado. Mientras caminaba buscando algo o a alguien regresaba a mí la sensación de soledad, ¡Hola!!!, ni un alma, angustiado no lo pensé dos veces y me eché a correr hacia la entrada de donde venía. Ya no había ninguna puerta de la pieza de Clara, solo encontré una barda y un niño de baja estatura como de siete años de pie ahí, me impacto mucho porque tenía unas enormes alas de mariposa, pero más me impresionaba como me miraba, parecían iluminarse sus ojos como si más bien él me hubiera encontrado a mí. ¿Dónde están tus papás?, ¿estás perdido?, yo le preguntaba agitado al pequeño, me tomo de la mano y dijo sonriendo: “si quieres podemos ser amigos” eso si lo recuerdo muy bien; hablaba y hablaba, pero no me aburría por el contrario cada vez me adentraba más en su charla que aunque no guardo memoria de qué se trataba era simplemente maravillosa e irrelevante , llena de fantasías inocentes que sin darme cuenta de pronto olvide mi tristeza; me sentía aliviado, lleno de amor y de luz, libre, puro, pleno, protegido, no sé cómo solo pensaba ¡esto era felicidad! Por fin volví a ser niño otra vez. Entusiasmado le pregunte ¿Eres un ángel o algo así? El me contesto, ¡no! Solamente soy un niño y encontré esto, es para ti, sacó de no sé de dónde un pedazo de azulejo, era un zoclo de alguna parte del que fue mi hogar por dieciséis años, lo puso en mis manos y me dijo: ahora debes volver.
"Con temor de que no estuviera ahi y desesperado por verla, el amante volteó su mirada. En un instante, ella retrocedió y él, hombre descontento, estrechando sus brazos para atraparla y ser abrazado, se aferró a la nada. Muriendo una segunda vez, ahora no había queja hacía su esposo (¿de qué pudiera quejarse excepto de haber sido amada?). Habló un último "adiós" que ahora apenas llegó a sus oídos, y regresó de nuevo hacia el Inframundo" Metamórfosis, Ovidio
En esta obra estamos captando una de las actividades heredadas de generación en generación. Esta obra en un principio, simplemente la vía titulado “alfarera” sin embargo en esta imagen observamos varios puntos interesantes, y es por ello que quise titular “Desde el corazón de Chiapas”. En uno de estos pueblitos Amatenango para ser exactos se encuentran estas mujeres que hacen estas artesanía. Esta imagen me fascinó primero porque captamos como tal la actividad pero podemos también ver la belleza de sus coloridas vestimentas que nos hace pensar en esas mujeres que confeccionan sus ropas haciendo de esto una combinación sin igual de actividades heredadas de abuelita a madre y de madre a hija y así sucesivamente . Por último me parece muy interesante ese contraste que hace la piel de las manos en acción trátate de captar la textura el color y quizás con ello calcular la edad de esta artesana que con sus bellas manos va dando forma al barro que al pasar del tiempo dejarán huella para quienes adquieren sus delicadas artesanías .
"Perdidos" En esta acuarela busco representar la melancolía, la añoranza y recuerdo que sentimos al perder a nuestras mascotas, pero también el sentirnos perdidos nosotros mismos. Cada perdida se lleva un pedazo de nosotros, vamos formando nuevos recuerdos y nuevas mascotas que eventualmente perderemos.
Caras que parecen ajenas pero con dos trazos se convierten en la mía, y de nadie más. Pintar para sanar, para hacer las paces, para resignificar, renombrar. Para mí el autorretrato es manera de acuerparME, exploración de la otredad Al legitimizar la soberanía de mi cara, me reapropio de mi imagen, de mi propio ser.
Ilustración basada en la saga "Crónicas Lunares" de Marisa Meyer. "Cinder se quedó en silencio un momento, y luego dijo: 'No voy a dejar que Levana gane. No voy a ser la que se arrodille y deje que el miedo controle mi vida. No voy a permitir que ella se salga con la suya.'"
Calma caótica. Presenta un paisaje surrealista que propone la contemplación y la duda. Plantea figuras estáticas, pensantes y reflexivas pero a su vez se hace presente una pincelada caótica, superpuesta y agresiva pero constante. Presenta un mundo interior, una búsqueda y un enfrentamiento al ecosistema del individuo. Y una experimentación del color como contraste y armonía.
"Las 3 Tonas en Xochimilco " representa una alegoría del mestizaje en Mexico a traves de una sátira de las dos deidades principales de Mexico ; Tonantzin -Guadalupe y Tonantzin - Coatlicue disfrutando de una tarde en Xochimilco tomando Tonayan . Saludos !!!
El paisaje urbano desolado, con sus ruinas y estructuras derrumbadas, simboliza la naturaleza efímera del ser humano: llegamos, habitamos y finalmente partimos, dejando tras de nosotros vestigios de nuestra existencia. Estos lugares abandonados, a menudo olvidados por la sociedad, reflejan la necesidad humana de pertenencia, ese deseo profundo de apropiarse de un espacio y de dotarlo de significado personal. En el silencio que emanan los muros caídos, encontramos una conexión íntima con estos lugares, ya que, al observar su abandono, nos vemos reflejados en nuestra propia transitoriedad. Nos identificamos con esos espacios porque representan nuestro anhelo de que algo, por breve que sea, sea nuestro. la obra invita a reflexionar sobre la impermanencia de la vida, el paso del tiempo y la huella que dejamos en los lugares que alguna vez llamamos hogar.
¿Alguna vez te has preguntado por qué nos duele tanto ver a un niño llorar? Es porque su corazón contempla sus más puros deseos por más banales o imposibles que estos parezcan, son capaces de mover toda su fuerza, su energía, su pasión, que al verse corrompida le regala la vida el llanto más puro y genuino con una voz que grita fuerte, sonora e impotente.
La misma mujer, a la izquierda en su niñez y a la derecha en su adultez. Sus dos etapas de la vida se unen con su mirada que atraviesa con una línea verde, la cual representa el crecimiento. En la parte de en medio encuentras una frase que está escrita a la izquierda con una tipografía infantil en color blanco y a la derecha con una tipografía más seria en color plateado. Dejo a tu imaginación y a tu criterio la elección de los colores y la diferencia de las tipografías. Espero que disfrutes mucho de mi obra. Atentamente, Cristóbal René Vázquez Vargas. (Nombre artístico: Das Cris)
Dentro de mi vida he tenido pocos sueños repetitivos, uno de ellos soñarme rodeado de serpientes por donde sea que camine ocasionando me despierte por el susto y teniendo una extraña sensación. investigando rápidamente en Google nos da un resultado como: '' simbolizar poder, fuerza y renovación.'' ''Una serpiente grande puede representar temor, cambios o deseo sexual.'' ''Una serpiente pequeña puede estar asociada a problemas o inseguridades.'' . con dichos resultados nunca me he quedado conforme pero no me cuestionaba sobre el porque de lo que había soñado, fue hasta hace poco que volví a tener el mismo sueño pero esta vez me di cuenta de que cada que me pasaba, estaba pasando por una situación de estrés y de alguna actividad muy demandante pues en ese momento yo me encontraba trabajando para una empresa de comida rápida ( Subway ) la cual se encontraba en una de las autopistas de Durango por lo cual era demasiado concurrido y agotador. habiendo también muchos malos tratos de parte de los clientes, también pagando realmente poco para trabajar 6 días a la semana entre otras cuestiones.
En esta obra dí rienda suelta a compartir los matices y emociones que tengo como mujer, que cada una tiene y no lo demuestra por miedo al qué dirán. Siempre soy libre y digo lo que siento y pienso e invito a todas a hacer lo mismo sin ninguna intención de competir ni dañar a NADIE. La verdadera libertad es hacer y elegir lo que merecemos y lo que nos debemos a uno mismo. Hagamos valer la transformación en nuestro día a día, solo es una vida y hay que saberlo con conciencia.
Personajes mágicos de cuento es una alusión a la infancia que algunos vivimos. De pequeño siempre me interesaba en saber sobre trucos de magia o sobre libros con símbolos extraños, aunado al hecho de que desde pequeño escuchaba historias antiguas sobre los abuelos relacionados con el concepto de la MAGIA. En memoria a un mapache que tuvimos en la familia como mascota y que tristemente murió de manera muy cruel por la ignorancia de unos vecinos nació la idea de inmortalizar ese sentimiento a través de esta acuarela haciéndolo un personaje mágico capaz de manifestar la belleza de la naturaleza desde la MAGIA
En está obra, la mujer frente al espejo encuentra un momento de pura autenticidad. Su rostro al natural muestra una tranquilidad que surge de aceptarse tal como es. Aunque el cansancio es evidente y es parte normal de su vida, ella lo recibe con calma. Se ama y se siente orgullosa de su ser, reconociendo que, a pesar de las imperfecciones que a veces la incomodan, está en un constante proceso de aceptación. Ella ve la belleza en su autenticidad, la fortaleza en su vulnerabilidad.
Un paisaje borroso, lejano y frío, allí donde el deseo calla, donde lo inconsciente habita, en aguas profundas de la mente, corales silenciosos guardan lo no dicho. El rostro se divide en cinco, quebrándose como una ola de angustia, un juego entre libertad y deber, en la orilla de la consciencia, entre luces naranjas y amarillas, y sombras de decisiones no tomadas. Los corales florecen en azul y verde, ocultando lo que siempre está presente, y en el centro de todo, la angustia emerge, como un eco lejano, que nunca cesa. A través de este poema busco conectar la experiencia interna de la angustia con la psique, utilizando los tres planos de la obra para representar diferentes estados de la mente según Freud; consciente, subconsciente e inconsciente. Es tanto una expresión personal como un reflejo de la experiencia de cada individuo en la sociedad: todos enfrentamos momentos donde nuestras emociones nos sobrepasan, intentando emerger desde las profundidades. Esta obra es una metáfora de la mente experimentando ANGUSTIA, dentro de mi universo acuático, mezclando el legado de saberes de Sigmund Freud.
La pintura dibuja entre la oscuridad a las criaturas que personalmente me han acompañado en las noches de susurros, presentándose como entidades errantes que han decidido aparecerse ante mis ojos en un sentido literal, esto debido a mi trastorno de personalidad que suele caracterizarse por delirios y alucinaciones, cada uno de ellos posee una personalidad propia y mientras mas lejanos se encuentran, más distorsionados se vuelven.
Siempre me ha llamado la atención el tema de la representación de la oscuridad, ya sea de una manera figurativa ó algo más ficcional, es más que evidente el rumbo que he tomado en la imagen; la persona inmolada no necesariamente narra una manda ni una metamorfosis, creo que encuentra un consuelo en la luz que le brinda el fuego en medio de un inhóspito y oscuro cuerpo de agua, en su dolor encuentra un camino más luminoso que el que le brinda la misma luna.
“Fantasmas del pasado” es una obra que forma parte del proyecto “Cicatrices moradas”, el cual a aborda temas relacionados con la migración, el feminismo, sexismo y violencia de género. En particular esta obra habla de los recuerdos que uno deja atrás cuando decide cambiar su vida para dejar de vivir los abusos que te mantienen en sufrimiento. Es imposible que no sea una ambivalencia de sentimientos, uno no llega a sentir tristeza de algo que no le importa. Así que el amor y la felicidad coexisten con la tristeza y decepción y forman juntos los fantasmas del pasado. “Sus recuerdos la persiguen, el azul y los llantos. El rojo y los cantos”
"Quizá no nos volvamos a ver" es una expresión pictórica de un momento que me marco en la vida, hace un par de meses viaje en un crucero de observación de vaquita marina organizado por la Conanp en colaboración con la organización Sea Shepherd. Fue un viaje único en la vida que lamentablemente no creo que sea posible volver a vivir. El crucero tiene como principal objetivo hacer una investigación y recuento de avistamientos de vaquitas marinas por parte de investigadores expertos en la especie que se encuentra casi extinta, se estima que quedan menos de 15 con vida. Esta experiencia me marco, y me hizo virar hacia mi percepción del cuidado del medio ambiente, de cuan grande ha sido el impacto de la humanidad en el planeta y como estamos viviendo una era de extinciones masivas y no por causas naturales, sino por nuestra intervención como seres humanos en todos los ecosistemas y nuestra falta de compromiso con la vida.
Se dice que los gatos tienen la habilidad de caminar entre varias dimensiones, que se encuentran "aquí y allá" , así que pueden estar en una dimensión abstracta y en un mundo "real" que les permite interactuar con el mundo humano. Los humanos, fascinados con el mundo de los felinos queremos saber como logran tener estos poderes y al mismo tiempo, poder robar el corazón de sus amigos humanos, por lo que buscamos saber sus secretos, "leer el libro", pero los gatos no son fáciles de convencer.
Este lienzo lo elaboré a poco menos de 4,000 msnm, en la mística laguna de Nahualac " En el agua del Nahual", ubicado en las faldas del Iztaccíhuatl. Para llegar, caminé 22 kilómetros con un desnivel de casi 1,400 metros; un trayecto desafiante de 4hrs, envuelto en un velo de nubes que convertía cada paso en un juego de sombras y luces. recorriendo senderos serpenteantes entre el exuberante bosque, donde el murmullo de los árboles y el susurro del viento se mezclaban en una sinfonía natural. Al llegar, la laguna se desplegó ante mis ojos como un hechizo, su belleza era tan cautivadora que comprendí, en ese instante, la profunda conexión entre este lugar y el cosmos. Los estudios arqueológicos recientes afirman que Nahualac es una representación del universo en sí. Sus aguas primigenias simbolizan el origen del mundo, y hundido en su centro el Tetzacualco, un rectángulo de piedras apiladas que representa los cuatro rumbos del universo: este, oeste, norte y sur. Este gran espejo acuático, que refleja el cielo, es la unión sagrada entre el firmamento y la tierra, mientras que su fondo oscuro evoca el inframundo, un reino de misterio y eternidad. Al colocarme para iniciar el lienzo, sentí la esencia del lugar impregnando cada fibra de mi ser. Observando el espejo celestial, veía cómo la neblina danzaba sobre la superficie del agua, haciendo que el paisaje mutara constantemente, como si el universo mismo estuviera en perpetua transformación. El acto de pintar se convirtió en una meditación, un diálogo silencioso con el espíritu del Nahual, donde cada trazo no solo capturaba el paisaje, sino también la historia y la magia que habitan en sus aguas.
Una tarde de fiesta en el pueblo, la multitud se mueve hacia las orillas de la calle, unos cuantos se asoman al barandal de la plaza, curiosos por ver lo que ocurre. Al centro, una catrina cobra vida y agita las telas de su vestido por los aires. Todos aplauden y vitorean este mágico espectáculo de Día de Muertos, y el espectador es parte de la escena, está ahí, entre la gente del pueblo.
El jardín de las heridas dulces, es una pintura que retrata contrarios, por un lado la ternura y lo inquietante de la escena, de lo aparentemente pacifico de la imagen en contraste con la herida profunda que muestra el pequeño conejo, es una alusión a los ciclos de vida/muerte, y las fuerzas que se gestan en esos estados, tan vibrantes que solo podemos contemplar sus maniobras en nuestro transitar en el mundo.
En sus manos, apretaba con fuerza un corazón sangrante, el rojo vivo contrastando violentamente con el entorno sombrío. Sus ojos, llenos de odio y furia contenida, ardían como brasas encendidas, y su expresión reflejaba un tormento profundo, una mezcla de dolor y rabia que no podía ser contenida. Cada latido del corazón resonaba en el aire frío, como un eco de un pasado lleno de promesas rotas y traiciones dolorosas. La sangre goteaba lentamente de sus dedos, creando pequeños charcos en el suelo bajo sus pies. Sus labios, apretados en una mueca de ira, temblaban levemente, como si contuvieran palabras que jamás serían pronunciadas. El viento silbaba alrededor de ella, pero no lograba distraerla de la amarga sensación de pérdida que la consumía. El corazón que sostenía, cálido y pesado, era un recordatorio constante de algo irremediablemente perdido. ¿Era su propio corazón el que había arrancado con brutal determinación, o pertenecía a alguien que alguna vez había amado, alguien que ahora solo existía como un recuerdo amargo? Nadie lo sabría jamás, ni siquiera ella estaba segura. Lo único cierto era la furia que la dominaba, una furia que transformaba el dolor en una fuerza casi inhumana. Y allí, en ese desolado lugar, con el corazón sangrando en sus manos, lo único que importaba era el latido suave y constante del corazón, un símbolo de amor o pérdida, cuyo verdadero dueño permanecería siempre en la penumbra del misterio.
En la imagen se presentan diversos personajes que se pueden hallar en una calle, todos en su trayecto a lo que parece un oscuro destino, cada uno de ellos tiene una historia, un contexto y una personalidad distinta, presentada por su vehículo y el sutil color que deja a su paso. En un escenario cotidiano se puede apreciar que el automovil no es el protagonista en la calle, mostrando como la mentalidad de las nuevas generaciones, en cambio, predominan los vehículos individuales, como son la bicicleta, la motocicleta y el patín eléctrico. Cabe destacar que el automóvil es el que tiene más colores en la carrocería, que contrastan con el oscuro halo con el que avanza, marcando así tanto la falsa imagen de ser un vehículo amable, como la oscuridad que su producción y uso ha dejado en el planeta.
En este mundo contemporáneo, la gente vive continuamente con este sentimiento bajo la pregunta “¿qué ocurrirá después?”. Pasan los días con sus noches mientras vivimos inmersos en una sociedad tan corrupta que nos orilla a refugiarnos en nuestra mente; el único lugar de alivio que nos permite evocar nuestros deseos y memorias más preciados. En este punto, nos encontramos en un ciclo infinito de incertidumbre, confrontación, resolución, confusión e incertidumbre, de vuelta. Pero sin importar lo que pasé, o cuantos factores influyan (educación, dinero, conocimiento, etc.), lo único relevante será nuestra capacidad de tomar las mejores decisiones posibles, para que al final, las más optimas se conviertan en los pilares de nuestra formación personal, nuestro futuro.
Un bebé que yace sobre aguas turbias. Mantiene los ojos cerrados. El movimiento de las aguas que lo mantienen a flote, se percibe por la insinuación de las pinceladas en las ondas junto con la espiral que se mezclan con las hojas. Manifestaciones de los símbolos nacimiento y muerte, remiten a la aparición del doble, como reflejo de una parte inseparable del pasado de quien observa el cuadro, atándolo al mismo tiempo al desdoblamiento de la imagen de sí mismo. Donde pareciera que el nacimiento en la escena se transforma en mensajero "unheimlich" de la muerte.
La obra Reflejo de Nadie explora el conflicto interno y la separación que surge en un estado de despersonalización. A través de una imagen intima en la que una persona elige una mascara de un ropero, la obra representa la busqueda de una identidad perdida. En el reflejo del espejo se muestra un rostro cadavérico sin expresión, representa la ausencia del yo, en la parte inferior debajo de la luz se muestra una piel de serpiente en representación de los instintos animales presentes en todo momento. La única luz mostrada es una vela sostenida por la mano derecha simbolizando un último rayo de esperanza evocando recuerdos de calidez y humanidad en medio de la confusión emocional.
Actualmente, me he enfocado en desarrollar una serie de ejercicios pictóricos que denomino "ficciones", basados en archivos fotográficos de mi infancia. En esta ocasión, he decidido representar en mi pintura una escena en la que unos niños miran al espectador con un tono desafiante y burlón desde un televisor, evocando la icónica escena de Robert De Niro en "Taxi Driver" en la que pronuncia la frase "You talking to me?". Esta escena, que se ha vuelto muy conocida, me parece que ha contribuido a las semillas de violencia simbólica presentes en nuestra cultura, y que a menudo afectan a la infancia.
En esta obra retoma la fotografía periodística de Mónica González Islas sobre la situación que aconteció en Chalco hace un par de días. Se presentó una inundación de alto riesgo debido a las fuertes lluvias que desbordaron y sobre pasaron la ineficiente capacidad de las cañerías lo que provocó que las aguas negras borbotearan de las cañerías causando enfermedades y demás problemas de gravedad para los habitantes de la zona. Las crisis en la que estamos viviendo, retumba en todos lados y afectan a todos aunque este caso es la evidencia de que hay sectores que terminan mucho más afectados que otros.
Se caracteriza por utilizar elementos que reflejan las tradiciones de México, como la feria, la quema del torito y los cuetes, en medio de esa festividad hay un personaje central que de manera simbólica, está cargando con el peso de la tradición de generaciones, que termina por limita su actuar y su corporeidad. Esta pintura no se compone de una fotografía fija, es la deconstrucción de una escena en la que el niño se encontraba cargando costales en la siembra y a la que quise prometerle otra versión.
El amor es curativo. Presta atención, sus ojitos cansados, sus patitas lastimadas, sus huesos marcados en su piel... su fuerza. Podemos ayudar, brindar una casa segura a alguno, lo que ganarías es muy valioso, una compañía amable, segura, un ser con ganas de acompañarte y defenderte. El amor que das vuelve, es una acción sagrada en éste camino en dónde todos estamos unidos. La pureza de una niña que siente la necesidad de ayudar.
Un cuerpo de mujer con máscara de viejo (máscara que oculta pero también revela) lleva en su cabeza un árbol que brota como símbolo de raíces ancestrales y sabiduría. En su regazo, una cabeza de mujer descansa, rodeada por cabezas de mujeres oaxaqueñas a sus pies, formando un mar de rostros. Cada cabeza, una vida, cada vida, una historia de explotación y folclorización. La mujer es la tierra misma, saqueada y ocultada bajo espectaculos, mientras las raíces aún buscan florecer.
La imaginación es un mundo infinito que nos permite explorar lo real y la fantasía, el arte es el vínculo para crearlo y los materiales son el vehiculo que nos permite dar forma a los pensamientos y sentimientos expresados en la obra. Una tortuga galáctica de colores morados, lilas y rosados representa la fantasía y la imaginación. La naturaleza es mi inspiración, el arte es mi pasión.
Metamorfosis es un proceso de transformación, de cambio y perseverancia. La obra representa con pinceladas, colores y simbolismos de una manera sutil un proceso de cambio personal. De entendimiento y comprensión de la vida. El último elemento agregado fue un tercer pez fuera del estanque, siguiendo un camino que no está marcado, sin seguir a ningún otro pez. Esto representa que, aunque muchas veces tengamos mil caminos por recorrer y mil estrellas a las que llegar; siempre encontraremos un camino y una estrella más brillante, que concuerde con nuestra esencia. Ésa es nuestra transformación.
Es una representación de un retrato familiar cásico que se puede interpretar como de los años 80's, 90's. Una familia clásica, clase media o alta, en la que la educación del infante sin rostro es impartida por los medios tecnológicos... tendencia contemporánea común que se iba gestando.
El ensayo "Una habitación propia", de la escritora Virginia Woolf, reflexiona acerca de las condiciones materiales necesarias para que los artistas puedan desarrollar todo su potencial, siendo indispensable disponer de un espacio tranquilo y adecuado al cual pueda acudir la inspiración. No nos es posible saber cuántos talentos se extinguen en las sombras, al no contar estos con las condiciones necesarias para realizar todas aquellas actividades que hacen que la vida merezca ser vivida.
Me inspiré para esta pintura en la pérdida y el luto por la muerte de mi abuelo, quien significó mucho para mí. Sin embargo, con el paso del tiempo, su memoria se fue desvaneciendo de mi mente, algo que considero parte final de las etapas del luto: el olvido.
Esta composición es profundamente perturbadora, transformando la imagen en una poderosa alegoría del silencio forzado y de la opresión que muchas mujeres sufren. Para plasmar dicho mensaje, en la pintura se observa a una mujer joven sumergida en oscuras y profundas aguas, con sus ojos cerrados; esto, que sugiere que ha perdido la vida. Su rostro presenta una expresión serena, casi como si estuviera soñando, pero la quietud de su semblante transmite sensaciones inquietantes. Además, su piel pálida contrasta con los tonos fríos y azulados del agua y las hojas otoñales que la rodean. En su boca, se distingue cinta adhesiva, y su torso está cubierto por una bolsa de plástico firmemente tensada y atada con precisión, como si su voz y su identidad hubieran sido deliberadamente silenciadas. Con respecto al entorno, los peces, junto con dos tortugas, parecen observar la escena con una calma indiferente, lo que podría interpretarse como la naturaleza misma siendo testigo de la tragedia. Asimismo, se emplea el contraste entre los colores fríos del agua y los tonos cálidos de las hojas y los peces para crear una tensión visual que resalta la tragedia del feminicidio. El agua se convierte en una tumba líquida, un lugar donde ella ha sido dejada para ser olvidada, mientras la naturaleza sigue su curso, impasible. La pintura no solo captura un momento de muerte, sino que también transmite en el espectador el silencio y la invisibilidad que muchas víctimas enfrentan.
Está obra significa mucho para mí, ya que es mi primer trabajo sin boceto. Cada obra que realizo me sorprendo más a mi misma y de lo que soy capaz de hacer. Siempre he querido ser como esos artistas que salen en redes que solo pintan y pintan el lienzo y les sale algo increíble, así simplemente, sin hacer boceto previo y hoy por fin lo pude hacer. Fue un gran reto y estoy satisfecha con los resultados, ya que, a mi parecer está genial Igual siento que se ve mejor en persona. Espero sea de su agrado, es algo sencillo pero de arduo trabajo. Espero "Míralo" pueda convencerlos con su mirada y expresión que evocan más que mil palabras.
¿Cuál es el costo de reprimirlos más grandes deseos?aquel deseo de ser artista, aque el deseo de aprender a tocar una canción o simplemente de bailar feliz y contento bajo in campo de flores donde solamente somos uno con ese pensamiento, aunque no lo creamos esa voz sigue latiente de una manera inconsciente que nos suplica regresemos a nuestros orígenes, que regresemos a aquello que siempre quisimos ser y ante ello nos encontramos desnudos ante una verdad difícil de escuchar, que a veces dicha voz quedará solo en un simple deseo.
Hace no mucho tiempo, en todo nuestro país, y fue en este tiempo cuando la foto de este niño fue tomada, mientras pasaba un gran tiempo jugando en la calle, con sus papás cuidándolo y pasando un gran rato. A lo largo del tiempo que llevo pintando he descubierto que, aun cuando la fotografía nos permite capturar un momento, no nos permite transmitir la chispa de las personas como lo hace la pintura, y es que, cuando se pinta se capta la chispa de la persona de una forma única.
La configuración del paisaje se modifica y transforma: aberraciones visuales, formas abstractas, geometrismo artificial. La Ciudad de Hierro nace a través del pretexto; revolución, revuelta o revelación. Debes mirar casi perpendicularmente para ver un fragmento entrecortado de cielo: límite superado, condensación superficial que se proyecta.
Pinté este cuadro especialmente para este concurso y la idea es mostrar las dos energías, la femenina y la masculina, que conviven en cada uno de nosotros y que no siempre están equilibradas. Puede que mi versión no sea una de las más amables, pero ciertamente es contemporánea. Si supiéramos equilibrar las dos energías, que hermosa y armoniosa sería la relación con nosotros mismos e implícitamente la vida.
Al margen de todo, es una obra que parte en la relación del usuario con la máquina (transporte), en donde muestra una asociación a la latente marginación de la colectividad en una sociedad colapsada por el automóvil y la privatización e individualización del fenómeno. Forzando al individualismo, lo particular y consumo de este, logrando establecer una ideología en donde este medio socio-colectivo que es primordial para una cotidianeidad de una población nómada dentro de la ciudad, se vea rezagada/marginada ante esta realidad individual.
La acción creadora es un procedimiento que desaprendemos, la libertad pictórica te encasilla en una interpretación cognitiva y descriptiva de la realidad no típica en donde la subordinación y la falta de sentido crítico es un requisito. “Dibuja a un hombre debajo de la lluvia” es un ejercicio en donde el autor ironiza sobre esta prueba psicológica, en donde la existencia de una premisa se convierte en regla y posterior orden superior, reforzando la idea de una libertad limitada.
El miedo a la naturaleza, a lo desconocido causado por la ignorancia y la avaricia, aquello que nos aterra solo está buscando su lugar en esta dimensión y muy probablemente nos sentimos amenazados por que somos nosotros quienes les escondimos ese espacio que en un principio les pertenece.
»Toma asiento, sólo... No te pongas cómodo« despliega una narrativa de manipulación, control y resistencia. En la capa más externa, un tablero de ajedrez devastado representa la lucha constante por la dominación. La mano del titiritero controla estas fuerzas, subrayando cómo las vidas son manipuladas por poderes más allá de su alcance. En la capa intermedia, una joven se sienta de espaldas al espectador, contemplando el caos exterior. El tablero de ajedrez a su lado y la mano que invade su espacio sugieren que incluso los ámbitos personales no están libres del control externo. En la capa más cercana, el espectador es invitado a entrar en la escena. Una silla roja se encuentra en un espacio aparentemente tranquilo, pero las balas que caen desde arriba recuerdan el peligro siempre presente. Esta invitación a "tomar asiento" desafía al espectador a confrontar activamente su papel en esta gran narrativa: ¿Estás simplemente ocupando un sitio o tomarás una postura? La obra nos insta a reconocer los sistemas de control que nos rodean y a elegir nuestro lugar en la historia que se despliega ante nuestros ojos.
La jaula es una explicación del mundo en el que vivimos. - El pájaro muerto representa a todos y cada uno de nosotros, viviendo cada quien en su zona de confort, dentro de una impenetrable jaula de oro, en este caso el pájaro yace muerto en el fondo de una jaula representando toda una vida en cautivero - La jaula de oro, representa toda una vida de comodidad, libre de peligro, libre de emoción, pero al mismo tiempo, sin libertad. La jaula a pesar de ser de oro, sigue siendo una jaula, que mantiene en cautiverio a un animal salvaje - La puerta abierta, representa la decisión libre del pájaro de salir de esas circunstancias cómodas, tranquilas, nada lo obliga a estar ahí dentro, y sin embargo, el pájaro vivió y murió en el mismo lugar - La textura blanca del cuadro por fuera de la jaula representa la tempestad, la incertidumbre del mundo real, las dificultades con las las que uno se puede topar, y dentro dela jaula, la ausencia de textura representa la calma y el falso sentido de seguridad que le otorga la jaula al pájaro "La jaula" es una reflexión de la vida que queremos vivir, las condiciones sobre las que nosotros decidimos sobre nuestra propia existencia y finalmente sobre nuestra inevitable muerte. Tiene elementos representativos de mi obra, principalmente el tema de la vida y la muerte, tema principal de mi obra artística, así mismo utilizo medios que reflejan mi estilo, en este caso el polvo de oro.
“Susurros floridos” es una obra en la que el simbolismo juega un papel importante, las rosas hacen hincapié en las fases de la vida: botón, plena floración y el comienzo de marchitarse, así como la quietud que este ciclo aparenta tener, puesto que cada estado habla de ciertos procesos, introspectivos en su mayoría, que no pueden ser verbalizados, siendo que la aparente fragilidad, de las flores por una parte y la vida humana por otra, es contrastada por la mariquita, insecto vulnerable, y sin embargo, carnívoro.
A lo largo de la historia, los retratos han llevado consigo una profunda carga de significado, desde la representación del estatus social hasta la inmortalización de personas queridas. En mi caso, no es la excepción, este retrato tiene un valor personal incomparable. Mi padre ha sido una figura fundamental en mi desarrollo, tanto personal como profesional. Su apoyo incondicional y su sabiduría han sido el faro que me ha guiado a lo largo de mi vida. Por eso, he decidido rendirle un homenaje pintando su retrato. Para mí, este gesto es la forma más sincera de expresar mi agradecimiento por todo lo que ha hecho por mí. Este retrato no solo captura su imagen, sino también el amor, la admiración y el respeto profundo que siento por él.
Irresistible depresión es una obra en la que me permiti plasmar un sentimiento y un dolor grande. Nunca olvido su mirada en momentos de crisis y la manera en que presiona su cara; solo quiero que esté bien, la amo. Para mí el pincel ha sido un gran medio en cualquier momento de mi vida, y en esta ocasión permiti que fluyera el sentimiento, por lo que los trazos son más libres, incluso la elección de los colores y el tamaño de bastidor fue para complementar lo que yo sentía y trataba de plasmar.
Esta pintura representa un autorretrato en el cual se observa una de las muchas criaturas que me acompañan en mis episodios psicóticos, esto debido a mi trastorno de personalidad esquizoide. A grandes rasgos represento y traigo a la realidad tangible la personalidad y rostro de mi compañero enigmático, el color rojo es la esencia que emana esta criatura al presentarse gritando de forma inaudible ante mis ojos y suele desaparecer ante la oscuridad
Hijos del maíz, es una representación de los muchos rostros que en ocasiones son olvidados, oprimidos y silenciados, esta es una pieza que busca rememorar estas identidades que siempre serán nuestras raíces e idiosincrasia, para muchos dormidas y para otros mas vivas que nunca.
El experimentar la falta de algo a o alguien con quien uno siente la plenitud de su alma y su vida o ser uno mismo esa falta para alguien, nos turba la mente, nos entristece la existencia, nos llena la vida de sinsabor y nos retrae a un letargo de angustia y pesar que solo nos mantiene en la espera y la memoria de eso o ese alguien que tanto amamos.
Este autorretrato es el reflejo de una historia marcada por la oscuridad, un viaje a través del dolor, el sufrimiento y la agonía más profunda. En él, se puede sentir el peso de la vida vivida en el abismo, donde cada paso parece conducir a un infierno personal, un terreno inhóspito de desesperanza. Y sin embargo, hay algo más. Algo que persiste. Una luz que nunca se apaga por completo, aunque a veces parezca tan débil que apenas ilumina, pero ahí está, siempre presente, resistiendo. La vulnerabilidad de verme proyectada en esta obra me transporta a esos momentos donde la vida y mi futuro sonaban solo una broma irónica donde el futuro se disolvía en sombras y lo absurdo dominaba mis pensamientos. He caminado por ese filo, con la mirada perdida en la oscuridad, preguntándome si quedaba algo más por lo que seguir. Pero si sigo aquí, si mi alma aún respira, es porque en algún lugar, en lo más profundo, esa última llama no se apagó. Esa luz, aunque tenue, es la esperanza, es el amor. Es lo que me ha mantenido de pie cuando todo lo demás parecía desmoronarse. Porque al final, sigo aquí por esa luz, por ese fuego, por ese amor. Por el amor tan grande que tengo por mis seres queridos, ellos no lo saben, pero cada y uno de ellos, me salvaron. Gracias mamá, gracias hermano, Gracias papá, Gracias familia, Gracias amigas. Gracias.
Está obra representa desde mi imaginación a la madre naturaleza nocturna. De fondo la galaxia con desfiles de estrellas, en una noche iluminada por la luna llena. En la laguna flota ella, posando en sus manos a Amicia, que representa la fauna. En su cabeza renace una jacaranda morada y su cuerpo convive amigable con naturaleza dura, las espinas duras y firmes. En esta fantasía todas coexisten. ????
Esta obra de manos y velas busca representar los claros y obscuros, centrándonos en las manos sin robar el protagonismo de las velas con ese toque de color blanco, logrando así representar balance y armonía, esperando generar Tranquilidad en el espectador
"Esperanza" La obra es una representación etérea del estado anímico que la humanidad frecuentemente necesita para no caer en el desaliento y tener la serenidad para afrontar los pasajes oscuros que las circunstancias nos presente. En la pieza pictórica se representa una figura humana que simboliza la esperanza y la audacia, portadora de una luz que da vida, riqueza y color a los entornos y circunstancias desfavorables de gran oscuridad.
''Pies descalzos'' es un recuerdo, es una sensación. No a todos nos gusta llenarnos de arena y a otros nos encanta quedarnos en la orilla del mar. A veces nos detenemos de hacer cosas increíbles, no sabemos qué hay más allá, una roca con la que te golpees, un pececito que te muerda los pies o un vidrio con el que te cortes. Pero es válido quedarse en la orilla y observar lo bello hasta que te animes a entrar.
Las sombras, "está obra es una clara referencia que el ser humano al quedar bien ante una sociedad, tienes que hacer actos que no son los mejores, Gojo representa la pureza del ser humano y el líquido negro es como se moldean a las personas con tal de no ser excluidas"